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| A punto de ver José Luis Morante Prólogo de Susana Benet Editorial Polibea Colección El Levitador Madrid, 2019 |
Con Bashô
Cañas y juncos
cubiertos de verdín.
Faltan las ranas.
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sábado, 17 de mayo de 2025
A PUNTO DE VER
miércoles, 24 de enero de 2024
VERÓNICA ARANDA. LA ROSA CONTRA EL LINO
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| La rosa contra el lino Antología poética Verónica Aranda Selección y palabras liminares de Juan José Martín Ramos Editorial Polibea Colección El Levitador Madrid, 2023 |
DÉDALOS INTERIORES
La extensa obra integra los títulos Poeta en India (2005) Tatuaje (2005), Alfama, (2009) Postal de olvido (2010), Cortes de luz (2010), Senda de sauces. 99 haikus (2011) Café Hafa y Lluvias continuas. Ciento un haikus, y el último libro hasta la fecha Humo de té (2021). Un trayecto repleto de premios y reconocimientos que ha llevado a su autora a formar parte de abundantes antologías nacionales, como Re-generación (Valparaíso, 2016), preparada por quien escribe esta reseña.
La evocación y el mapa de la memoria son coordenadas singulares de un ideario que analiza con lucidez y cercanía el poeta, aforista y editor de Polibea Juan José Martín Ramos en el introito “La casa interior de Verónica Aranda: Tentación del lugar”. Según el estudioso la obra poética de Verónica Aranda es una forma de mirar, un modo de ser, habitar y transitar. No se trata, por tanto, de la poesía descriptiva del viajero de paso sino de la condición de ser testigo del matiz y del mudo sentido de lo transitorio, de esa continua disidencia que cancela el lugar para asumir su interioridad como una habitación propia. La epistemología del viaje que Juan José Martín Ramos encuentra en el ideario lírico de Verónica Aranda merece una proyección teórica de alcance. Las vivencias retornan trasmutadas en secuencias que dejan una fuerte vinculación entre la intimidad y el paisaje. Los escenarios del fluir temporal perduran entre las palabras; los versos plasman un tiempo cuyos efectos expanden retazos de rostros, distancias y emociones. Son los ecos de una conciencia en vela con el tono de voz de los regresos.
Naturalmente, también es necesario resaltar el carácter simbólico del título; La rosa contra el lino no alude a ningún conflicto material en pos de la soberanía natural de la belleza Si la rosa es una flor de pétalos frágiles, cuajada de luz y aroma, el lino es un material duradero y resistente que conforma un tejido cálido y práctico para el cuerpo. El afán creador es también un largo trayecto que deambula entre la fugacidad de la rosa y la permanencia del lino, dos bocetos, más que contrapuestos, complementarios a la hora de dibujar el instante y para dar brillo a los elementos entrevistos en nuestras percepciones. Verónica Aranda ha desarrollado una escritura de sensibilidad despierta, introspectiva y atenta al detalle, como se coteja en sus poemas breves y en la levedad atemperada de sus haikus, siempre exentos de mimetismos, como textos que albergan intuiciones de una voz dispuesta a ser, sin buscar nada.
El entorno dispersa destellos luminosos, sacude con sus hilos mudables a quien participa de su esencia y convierte al sujeto en pálido reflejo de lo externo. El poema enlaza pasos y vicisitudes; se hace espacio de belleza y meditación. Cobija la humilde capa de lo transitorio. Da voz a una sensibilidad que antepone el asombro a las cosas a las cosas en sí: “Yo domo las palabras / en este territorio de esplendor / que se abre a lo posible / y al lúdico avatar de algunos dioses / que juegan a los dados.”. En el angosto deambular del tránsito, el sueño siempre es un lugar ameno, un territorio por recorrer que tiene sus itinerarios sobre lo real.
JOSÉ LUIS MORANTE
miércoles, 25 de octubre de 2023
JUAN JOSÉ MARTÍN RAMOS. SI NO VEO MI ROSTRO.
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| Si no veo mi rostro Juan José Martín Ramos Prólogo de José Ángel Cilleruelo Editorial Polibea Colección El Levitador Madrid, 2023 |
EN LA CALLE DEL TIEMPO
El volumen Si no veo mi rostro añade al entorno literario de Juan José Martín
Ramos (Madrid, 1961) los relieves de una nueva panorámica expresiva: el aforismo. Filólogo,
profesor de talleres, editor y persistente gestor cultural, ha publicado el
poemario Negar la luz (2007) y las ficciones La
curiosidad del espía (2006),
reconocida con el Premio Sur de Novela Corta, La
noche calma mi ansiedad (2008) y Légamo
del amor y de los libros (2016). Es
impulsor y responsable de las seis colecciones que tiene Editorial Polibea: «El Levitador» -poesía-,
«La espada en el ágata» –prosa-, «Orlando Versiones» –traducción– «Toda
la noche se oyeron…» -voces nuevas de la poesía latinoamericana más reciente, «Pasión de lo breve» -haikus, aforismos y escritura fragmentaria- y «Fuera de lugar», un intento de buscar sitio a publicaciones heterodoxas y misceláneas.
Si no veo mi rostro presenta
un escogido muestrario de aforismos en un momento en el que las teselas
verbales sentenciosas se han convertido en sólida plenitud expresiva. El
prólogo de José Ángel Cilleruelo comienza con un emotivo recorrido biográfico y
concluye con una lúcido análisis del minimalismo verbal de Juan José Martín
Ramos, a juicio del prologuista, integrado y coherente con “esta poética de lo
huidizo en la que se percibe “un claro sentido de lo gnómico” que apunta hacia
el anonimato del yo y la despersonalización expuesta en el propio título.
Poco a poco, como sucede en casi todos los
libros de aforismos, los escuetos motivos van hilvanando un caótico perfil
argumental, desde la actitud introspectiva del pensamiento. Las citas iniciales
eligen una tradición plural y canónica de voces fuertes: Miguel de Cervantes,
Francis Scott Fitzgerald, Josep Conrad y Francisco Brines. Puntos cardinales
clásicos, como si fuera necesario refrendar que la propia literatura nace como
raíz crecida bajo el suelo de un tronco centenario.
El escritor elige una dicción directa, sin hojarasca, que integra las
ideas con un deje de fatalismo aceptado: “La vida transcurre sin mí”; y que
transforma en paradoja la nostalgia crepuscular de lo no vivido: “A mí me ha
tocado ser yo”. El aforismo es una propuesta de reflexión y autoconocimiento,
una forma de sentir, un estar afectivo que comparte recuerdos y melancolías y
que hace de la rutina un aula abierta: “Bien mirado, entre las fechas de
nacimiento y muerte de una persona, el pequeño guión que las separa es toda una
vida”.
El recorrido argumental muestra un trasfondo crítico con nuestro tiempo
porque la convivencia diaria es siempre propicia a la decepción y al caminar
sobre las arenas movedizas de certezas transitorias. El balance experiencial amalgama
la intimidad del yo concreto y las huellas y reflejos de la voz colectiva: “La
desesperación y la soledad y la conciencia del fin son las condiciones de lo
verdaderamente humano. La salvación eterna: una mera añagaza de quienes no se
atreven a saltar sin red”. La escritura moldea el personaje verbal también
desde la literatura. Las refutaciones a pensamientos de escritores célebres son
frecuentes: Freud, Virginia Woolf, Joseph Conrad, Kafka… aportan reflexiones
que sirven a Juan José Martín Ramos para la reformulación verbal, como si los
espacios de la palabra necesitaran siempre componer muros nuevos, subrayados
subjetivos y autobiográfico. La sobria reflexión sobre el perfil del hablante
lo ratifica: “Condición de poeta: al papel no le interesa tu historia personal,
solo la profundidad del surco de la escritura y algún giro inesperado del
trazo”, “Depositamos en la escritura nuestra vana ilusión de supervivencia”,
“Literatura, edificio de la palabra para el silencio”, “Nada es un destino”.
En la aforística
de Juan José Martín Ramos la materia física tiene una manifiesta connotación de
fragilidad: “Vivimos como si fuéramos a acabar con un inútil fardo por cuerpo”,
“No queremos un cuerpo, apreciamos su dibujo”, “De lo superfluo en el cuerpo:
Sólo somos desgraciados de garganta hacia arriba”, “Al final nuestro cuerpo
decide por nosotros”, “El que se queda quieto ya ha llegado”.
Como escribe el autor “Ordenar los aforismos para un libro es querer
ordenar el pensamiento. Imposible “. Las frases concisas van naciendo en los
ángulos muertos de la vida cotidiana. Dejan la estela luminosa del chispazo, su
potencia verbal y los significados abiertos en la conciencia,
ese lugar apelativo donde se reflejan los trazos diluidos de alguien que no es: “Si no veo mi rostro,
¿cómo sé que soy yo?".
JOSÉ LUIS MORANTE
viernes, 5 de julio de 2019
JOSÉ LUIS GÓMEZ TORÉ. LLAMARSE NADIE
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| Llamarse nadie José Luis Gómez Toré Edición y selección de Óscar Curieses y José Luis Gómez Toré Prólogo de Óscar Curieses Editorial Polibea, Colección El Levitador Madrid, 2019 |
EL
VIAJE DE ULISES
Poeta, ensayista, dramaturgo, editor y profesor en ejercicio, José Luis
Gómez Toré (Madrid, 1973) ha desarrollado un largo viaje creador del que la
antología Llamarse nadie es atinado
muestrario. En su texto introductorio, Óscar Curieses, desde un compartido
mirador estético y un común eje de simetría en la elección de textos, repasa el
contacto personal con el madrileño, algunos rasgos de su personalidad sosegada
y ajena a la estridencia del estar, y clarifica el orden poético, no pactado
por la cronología sino por un cambio de lugar que añade al poema una nueva
significación contextual dentro de una tendencia de la lírica española
contemporánea que bascula entre la conciencia crítica de la poesía social y el
silencio interior que explora vetas reflexivas en la poesía del silencio.
Los poemas en sí se imponen siempre, sobre cualquier debate intelectivo,
y este volumen aglutina textos de casi dos décadas de escritura, desde 2002 a
2019, puesto que también se integran algunos inéditos que abren la puerta al
presente creador. Como escribe en el preliminar “Quedarse en Blanco” José Luis
Gómez Toré “Toda antología no es a la postre sino un pacto entre memoria y
olvido”, así que la selección resulta una oportuna delimitación de la zona de
juego en quien, cada vez más, percibe el poema como ”una especie de acercamiento,
una suerte de cerco a un territorio blanco, un espacio que es y no es el de la
vida” (P. 21).
Conocí al poeta en 2001, cuando coincidimos en las aulas de un instituto
madrileño ubicado en Rivas-Vaciamadrid, mientras José Luis Gómez Toré preparaba
su tesis doctoral sobre Francisco Brines. Esta proximidad emotiva me ha
permitido un seguimiento continuo del quehacer versal desde la epifanía. Por
tanto, es inevitable un claro disentir emocional por la suspensión en esta
muestra del título de arranque Contra los
espejos, por más que sea prehistoria literaria. Allí amanecía “la
particular indagación sobre la escritura y la memoria, la materia (en especial
el agua) y la posibilidad o imposibilidad de conocer y de conocernos, de romper
los espejos que cada uno de nosotros somos”. Sí están representadas las
siguientes teselas: Se oyen pájaros, He heredado la noche, Fragmentos de un cantar de gesta, Claroscuro del bosque –que se incluye en
su integridad-, Un corte que no sangra
y Hotel Europa, junto a dos poemas
inéditos en libro, “El territorio blanco” y “Piedra”.
La propuesta exploradora de Llamarse
nadie organiza un trayecto lector en ocho tramos. Todos comparten en su
denominación el sustantivo blanco, lo que concede a este color una simbología
germinal que parece necesario recordar: el blanco integra epifanía y pureza,
desnudez natural, transparencia y encuentro. Pero la semántica se expande
cuando añade otros términos: Blanco de cinc; Blanco: celosía; Blanco: Lunar;
Blanco: Intervalo; Blanco: Sol de invierno; Blanco: Claroscuro; Blanco:
Ceguera; Blanco: Futuro. Se me permitirá que deje que el lector recorra el
espacio activo de los significados.
José Luis Gómez Toré trasciende el espacio sentimental del poema para
activar en el sujeto un mirador para el pensamiento social y la cartografía
colectiva, y para abrir una apertura al sentido del lenguaje como estrategia de
la razón que moldea una visión del mundo. De este doble afán sostenido nace un
cauce lírico que hermana filosofía y razón poética, inmersión en la memoria del
legado cultural y exigencia constante de despojamiento; ese trayecto del estar
en el tiempo en el que el hombre aprende ese silencio de llamarse Nadie.
sábado, 18 de mayo de 2019
EN TIERRA HÚMEDA
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| Siembra |
TIERRA HÚMEDA
Yo sigo escribiendo sobre lo ordinario
porque para mí es la casa de lo extraordinario,
la única casa.
PHILIP LEVINE
Húmedo brilla
el surco removido.
Una lombriz.
( De A punto de ver)
miércoles, 20 de marzo de 2019
EUGENIO D'ORS. OCEANOGRAFÍA DEL TEDIO
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| Oceanografía del tedio Páginas escogidas Eugenio d'Ors Edición y fotografías de Carlos d'Ors Prólogo de Juan M Ribera Llopis Editorial Polibea, Colección El Levitador Madrid, 2018 |
EL DECIR POÉTICA DE EUGENIO D’ORS
Eugenio d'Ors Rovira (Barcelona, 1881-Vilanova
i la Geltrú, 1954) cobija en su personalidad una múltiple experiencia creadora.
Como partes de un todo cerrado y sólido, en el periplo individual confluyen la
filosofía, el ensayo, la crítica de arte, el periodismo, la plástica del
dibujante, junto a la ficción narrativa, las glosas,
el apunte lírico y el discurso fragmentario.
Los comienzos del aprendizaje coinciden con la vigencia del modernismo, línea
estética de inspiración francesa, surgida en Hispanoamérica, que alienta un
cauce reflexivo proclive a la evasión, tiende a lo exótico y valora el
cosmopolitismo a partir de una renovación del lenguaje poético. D’Ors se mostró
cercano a esos propósitos en la etapa juvenil, cuando empieza a cursar Derecho
en la Universidad de Barcelona en 1897, mientras se matricula en Filosofía y
Letras para abordar la especialidad de estudios literarios. No es ajeno al
posicionamiento regeneracionista de los pensadores del 98 ni al ambiente de
crisis que se palpa en las calles, exigiendo una reforma integral de la vida
española capaz de superar la abulia social y la debacle económica causada por
la pérdida de las últimas colonias en Cuba y Filipinas. Coda brillante de los
estudios en Leyes es el Premio Extraordinario de Licenciatura. Tras su
concesión se matriculó en Madrid en los cursos de doctorado. Cultiva sin tregua
la presencia en periódicos, con el pseudónimo de Xenius, aunque en
sus incansables bifurcaciones de escritor y dibujante usó otros, como Octavio, Octavi
de Romeu, El Guaita, Miler y Xan; a
ellos se suma el utilizado en sus traducciones, el de Pedro Llerena.
En los
albores del siglo arranca su trabajo como crítico de arte. No tarda en rechazar
la agotada estela decimonónica para airear un vuelo clasicista que sirve de
raíz al Noucentisme o Novecentismo.
Es una tendencia que aporta nuevo aire intelectual. Con su entrelazado
ideológico muestran afinidades algunos protagonistas esenciales del despertar
culto, como José Ortega y Gasset, Rafael Cansinos Assens o Américo Castro. Engloba
un ideario fuerte basado en el reformismo burgués, europeísta, con lúcido afán
racional y estelas de un pensamiento urbano, confrontado al ruralismo
tradicional. Esta actitud rupturista tiene su periodo de plenitud entre 1917 y
1923, cuando cobran plena vigencia rasgos distintivos ya señalados: frente a la
acracia bohemia y autodidacta se propugna un itinerario cognitivo reglado y
sistemático, que conecte con el legado occidental histórico; se impulsa una
planificación cultural desde la autoridad y el poder jerárquico para que sean
estamentos esenciales en la vida pública instituciones de carácter docente, y
se valora el globalismo y el sentir de la metrópolis que trasciende el
municipalismo localista para asimilar valores clásicos.
La
imagen del escritor se agiganta y se convierte en un referente intelectual, lo
que propicia su proyección y su gestión política entre 1917 y 1919 como Director de
Instrucción Pública de la Mancomunidad de Cataluña. Es en esa etapa vital
cuando en 1918 ve la luz la primera edición en catalán de Oceanografia del Tedi una obra en prosa poética, que conocerá en el
devenir temporal sucesivas ediciones. La primera en castellano la lleva a cabo
la editorial Calpe en 1921, y acompaña al vertido de otros libros como El valle de Josafat y La bien plantada que propiciarán la
reubicación lingüística del autor. A partir de este momento el castellano pasa
a ser única lengua expresiva. Tras la salida francesa en los años treinta, Oceanografía del tedio, como título
autónomo o integrado en el tríptico de Jardín
Botánico, sale de nuevo en 1948, 1988, 1994 y se recupera en 2018 por la
editorial Polibea con edición y fotografías de Carlos d’Ors y liminar de Juan
M. Ribera Llopis. El prólogo clarifica las peripecias editoriales y pone acento
en la amanecida de la idea en un balneario de la Garriga, en 1916, desde una
glosa. Se explaya en la larga fortuna del subtítulo Oceanografía del tedio para dejarnos una treintena de glosas
seleccionada por Carlos d’Ors. El estilete verbal de la glosa asciende a mirada
lírica. Toma fuerza en la meditación y muestra el vitalismo perceptivo de una
conciencia desvelada. Ya no se trata de extraer de cualquier hecho cotidiano su
esencia trascendente sino en capturar esos estratos sensitivos que guardan
refugio a la belleza: una diáspora de nubes en el azul del cielo, la cadencia
temporal de la tarde, el silencio de un recuerdo que irrumpe de pronto en la
memoria o el olor de la lluvia en la tierra mojada asientan su poética en lo
diario para convertirse en patrimonio afectivo del yo ensimismado.
Oceanografía
del tedio es un breve volumen en el que a partir de la arquitectura verbal
del poema en prosa se marcan estelas impresionistas, líneas de una sensibilidad
espiritual e intimista que dejan en el lector la sensación callada de la
madurez expresiva, la que establece a través del poema en prosa una lección de
vida.
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