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| A punto de ver José Luis Morante Prólogo de Susana Benet Polibea Editorial Madrid, 2019 |
TEORÍAS DEL HAIKU
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domingo, 17 de agosto de 2025
A PUNTO DE VER (TEORÍAS DEL HAIKU)
martes, 18 de marzo de 2025
TEORÍA PERSONAL DEL HAIKU
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| Encuentro en Madrid con JUAN JOSÉ MARTÍN RAMOS Narrador, aforista y editor de las colecciones de Polibea Madrid, 18 de marzo de 2025 |
TEORÍA PERSONAL DEL HAIKU
DEL LIBRO
A PUNTO DE VER de JOSÉ LUIS MORANTE
(Polibea, 2018)
Garabatos en el muro
Mensajes torpes en la nieve
del alba
BUSON
El haiku teje en silencio, sin dogmas; cuando la poética se
aleja de la emoción se refugia en el laboratorio.
Quien siente una arbitraria mutilación del paisaje cuando
cierra los ojos, no mira hacia dentro.
Leo a San Juan de la Cruz. Percibo en el volar del haiku las
cinco condiciones del pájaro solitario: va a lo más alto, no sufre compañía,
pone el pico al aire, no tiene determinado color y canta suavemente.
La humilde sobriedad del esquema verbal contrasta con su
riqueza perceptiva y su capacidad para crear geografías imaginarias.
El tacto de las palabras recuerda la presión indecisa que
muestra la mano de un niño cuando sale a la calle. Entre agarrar y soltar.
Cada silencio es un potente generador de sentido.
La percepción poética es una forma de conocimiento. En la
lenta conquista del aprendizaje meditación, lectura, sosiego y piel.
No me parece agotado el concepto de poesía estacional; pero
es una cualidad compatible con la adhesión del haiku a las causas del corazón.
Percibir el vacío como existencia cóncava y posibilidad de
alojar dentro.
A veces la fuerza creadora no recuerda. Confunde
identidades: poeta y artesano.
El texto expande experiencia estética. Aposa una
contemplación transformada en vivencia interior.
Dar aliento al atajo, esa comunicación directa entre poema y
receptor que cuida la empatía y el afán de compartir.
(Anotaciones de José Luis Morante)
jueves, 6 de febrero de 2025
Entrevista a JUAN JOSÉ MARTÍN RAMOS
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| Juan José Martín Ramos (Madrid, 1961) Editor de Polibea, narrador y aforista |
1 - ¿Cómo nace la editorial Polibea? ¿En qué proporción se han
cumplido aquellas expectativas iniciales?
POLIBEA nació hace cuarenta años como una editorial dedicada a la información sobre discapacidad a través de publicaciones técnicas periódicas. Nació en un momento de gran concienciación sobre el colectivo de personas con discapacidad, sobre sus derechos, sobre su reivindicación de la diferencia que hoy, desgraciadamente, se ha diluido un poco en favor de otros colectivos más mediáticos. En ese contexto hace 15 años se decidió abrir una línea editorial literaria no comercial, que empezó con la colección de poesía “El levitador”, a la que siguió la de prosa, “La espada en el ágata”; la de traducción, “Orlando Versiones”; la de poesía latinoamericana, “Toda la noche se oyeron…”; la de libros descatalogados, “Fuera de lugar”; la de literatura breve, “Pasión de lo breve” y el Premio Javier Lostalé de Poesía Joven.
2 - Qué momentos de esta larga trayectoria del catálogo de Polibea
recuerda con más satisfacción. ¿Cuáles, también, han abierto puertas al
desánimo y la frustración?
El trabajo de cualquier pequeña editorial independiente hoy es un trabajo, como he leído en una publicación sobre este asunto, que se realiza “a pulmón”. Y, siguiendo con esa metáfora deportiva, que a mí me pareció muy acertada, en esta labor hay muchos momentos de apnea que llegan verdaderamente a la asfixia total. De otro lado, el hecho de que haya muchas editoriales independientes y, por otro, muchos autores, hace que cada libro irrumpa como una gota de agua en un océano, en el que termina diluyéndose. A pesar de todo ello, la labor editorial se realiza con cierto espíritu aventurero y de descubrimiento que te anima a seguir, como cuando te llegan determinadas joyas que te sientes orgulloso de haber contribuido a su conocimiento y divulgación… Aunque, como decía antes, todo termine diluyéndose en el océano librero. Debo suponer que al lector que haya recibido esas joyas le habrá dejado una marca más indeleble… En eso confío.
3 - ¿En qué modo son compatibles los papeles de editor y escritor?
Desde el punto de vista práctico y logístico son completamente compatibles. Desde otro punto de vista, tu visión de lo editorial termina contaminando tu escritura en la medida en que si ves que ciertas joyas que has editado han pasado sin pena ni gloria, empiezas a pensar que lo que escribes correrá inevitablemente la misma suerte y el esfuerzo termina resultándote baldío.
4.-La lectura de poesía sigue siendo minoritaria y el número de ventas es
muy reducido. Cómo responde a estos efectos secundarios que alimentan estados
de ánimo crepusculares. ¿El editor está abocado al diván del psiquiatra?
El editor, por supuesto, está abocado al diván del psiquiatra. Pero decía Scott Fitzgerald que “uno debe saber ver que las cosas son absolutamente imposibles y, sin embargo, estar dispuesto a intentarlas”.
4 – Editar concede al lector un paisaje de totalidad. Cómo definiría el
momento creador presente en las distintas estrategias expresivas: poesía, novela,
ensayo, aforismos…
De estos géneros que mencionas, el de aforismos parece que está viviendo un momento dulce, a pesar de que, como en todo, la proliferación conlleve a la confusión, al abuso de la fórmula, a cierta adulteración del género. La poesía, la novela, el ensayo, y también el teatro, a los niveles en que se mueven las editoriales independientes, están atravesados por el impulso poético, literario, el amor a la palabra y el pensamiento, independientemente de que luego el resultado de cada obra sea mejor o peor, eso es otra cosa. Quiero decir que debo suponer que no es lo mismo escribir sabiendo que tu libro lo van a leer dos millones de lectores que apenas unos trescientos (que muchas veces ni a eso llegan). En ese sentido digo con verdadero convencimiento que la verdadera literatura se encuentra en las editoriales independientes y, al decir eso, pienso en la distinción que hacía Juan Goytisolo entre literatura y producto editorial.
5.- Lectura, Maquetación, Publicación, Distribución, Presentaciones…
constituyen las aceras cotidianas del trabajo editorial. ¿En cuál se siente más
cómodo?
Sin duda alguna, en la lectura y maquetación, porque son trabajos solitarios.
6.- Todo proyecto cultural exige un diálogo de colaboración y cercanía, un
quehacer hombro con otros en el que resultan imprescindibles las tareas de unos
cuantos nombres. ¿Quiénes están en su mesa de trabajo?
Efectivamente, uno no está verdaderamente solo en esta labor, y se realiza con el concurso de amigos, como en mi caso, los directores de algunas colecciones de nuestro catálogo, como Verónica Aranda, José Tono Martínez, Aitor Francos y Manuel Neila, o el grupo de amigos escritores que forman parte del jurado del Premio Javier Lostalé, o los amigos escritores que forman parte del catálogo con algunos de los cuales se pueden, y de hecho así ocurre, establecer dinámicas de colaboración, intercambio de ideas, diálogo…
7.- El plan de trabajo es siempre un recorrido pactado. Qué novedades
esperan al lector de Polibea?
Más allá de los nombres, que no querría citar porque la lista es larga y no querría dejar de nombrar a nadie o que alguien se me olvidara, lo importante es que en lo que tenemos por delante, como lo que hemos hecho en estos 15 años, hay poesía y pensamiento, que son los pilares de la creación literaria sea cual sea el género de que se trate, y esperemos que cada uno de los libros que publiquemos encuentre a su lector… aunque sea uno…
8 - Parece que papel y red digital son el Yin y el Yang, cejijuntos
espacios confrontados. ¿Hasta qué punto es deseable la colaboración entre
ellos?
Hoy en día las redes son más necesarias que nunca como instrumento de divulgación de la edición independiente, toda vez que los suplementos literarios de los grandes diarios han abandonado la literatura y sólo se centran en el producto editorial. Pero tampoco nos engañemos, dado el nivel masificado de publicación, una reseña tampoco hace que el libro que publicas tenga el impacto que te gustaría que tuviera… Soy muy escéptico en este asunto, de ahí que con el tiempo yo haya elegido una dinámica editorial más “doméstica”.
9 - ¿Favorece al momento histórico de la escritura actual la gran variedad
de temáticas y la facilidad para publicar o para la práctica de la autoedición?
Aunque cada libro sea una gota en el océano, el conjunto de cada una de esas gotas crea o es el propio océano. Y ese océano es el resultado de una gran variedad de miradas, sensibilidades, propuestas, que conforman la literatura. Evidentemente, y por citar a Benjamin, estamos más que nunca en la época de la gran reproductibilidad técnica, de lo que se han beneficiado las editoriales independientes y el mercado de la autoedición, que le hace cierta competencia desleal a las verdaderas editoriales, en la medida en que las obras de autoedición no pasan muchas veces un escrutinio y se publican sencillamente porque el autor paga para que se publique. Está claro que la facilidad de la reproductibilidad técnica facilita la edición masiva y la escritura se ve, de alguna manera, condicionada por esa facilidad. Hay una “edición fácil” que inevitable y desgraciadamente genera una “escritura fácil”. El tiempo pondrá a cada uno en su sitio… o no.
10.- He vuelto e leer tus aforismos y tienen una evidente carga
existencial, no exenta de ironía y escepticismo. ¿Vivir y escribir
son la misma tarea?
Escribir es una de las muchas tareas que se
pueden realizar en esta vida. No creo en el “destino literario”, como tampoco
creo en la “llamada de la literatura” ni en que un escritor esté más tocado por
los dioses por escribir que otro ser mortal por hacer otra cosa. Mis aforismos
intentan, en ese sentido, ser una refutación del valor trascendente de las
cosas y la vida, aunque sea en su manifestación pagana. Dice uno de ellos:
“Nada es un destino”. Y todo terminará
cayendo en el olvido… aunque sea dentro de cinco mil millones de años cuando
parece que el sol se apagará y aquí no quede nadie para dar testimonio de que
un día hubo algo que llamábamos poesía. Qué le vamos a hacer…
JOSÉ LUIS MORANTE
(Madrid, febrero de 2025)
miércoles, 24 de enero de 2024
VERÓNICA ARANDA. LA ROSA CONTRA EL LINO
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| La rosa contra el lino Antología poética Verónica Aranda Selección y palabras liminares de Juan José Martín Ramos Editorial Polibea Colección El Levitador Madrid, 2023 |
DÉDALOS INTERIORES
La extensa obra integra los títulos Poeta en India (2005) Tatuaje (2005), Alfama, (2009) Postal de olvido (2010), Cortes de luz (2010), Senda de sauces. 99 haikus (2011) Café Hafa y Lluvias continuas. Ciento un haikus, y el último libro hasta la fecha Humo de té (2021). Un trayecto repleto de premios y reconocimientos que ha llevado a su autora a formar parte de abundantes antologías nacionales, como Re-generación (Valparaíso, 2016), preparada por quien escribe esta reseña.
La evocación y el mapa de la memoria son coordenadas singulares de un ideario que analiza con lucidez y cercanía el poeta, aforista y editor de Polibea Juan José Martín Ramos en el introito “La casa interior de Verónica Aranda: Tentación del lugar”. Según el estudioso la obra poética de Verónica Aranda es una forma de mirar, un modo de ser, habitar y transitar. No se trata, por tanto, de la poesía descriptiva del viajero de paso sino de la condición de ser testigo del matiz y del mudo sentido de lo transitorio, de esa continua disidencia que cancela el lugar para asumir su interioridad como una habitación propia. La epistemología del viaje que Juan José Martín Ramos encuentra en el ideario lírico de Verónica Aranda merece una proyección teórica de alcance. Las vivencias retornan trasmutadas en secuencias que dejan una fuerte vinculación entre la intimidad y el paisaje. Los escenarios del fluir temporal perduran entre las palabras; los versos plasman un tiempo cuyos efectos expanden retazos de rostros, distancias y emociones. Son los ecos de una conciencia en vela con el tono de voz de los regresos.
Naturalmente, también es necesario resaltar el carácter simbólico del título; La rosa contra el lino no alude a ningún conflicto material en pos de la soberanía natural de la belleza Si la rosa es una flor de pétalos frágiles, cuajada de luz y aroma, el lino es un material duradero y resistente que conforma un tejido cálido y práctico para el cuerpo. El afán creador es también un largo trayecto que deambula entre la fugacidad de la rosa y la permanencia del lino, dos bocetos, más que contrapuestos, complementarios a la hora de dibujar el instante y para dar brillo a los elementos entrevistos en nuestras percepciones. Verónica Aranda ha desarrollado una escritura de sensibilidad despierta, introspectiva y atenta al detalle, como se coteja en sus poemas breves y en la levedad atemperada de sus haikus, siempre exentos de mimetismos, como textos que albergan intuiciones de una voz dispuesta a ser, sin buscar nada.
El entorno dispersa destellos luminosos, sacude con sus hilos mudables a quien participa de su esencia y convierte al sujeto en pálido reflejo de lo externo. El poema enlaza pasos y vicisitudes; se hace espacio de belleza y meditación. Cobija la humilde capa de lo transitorio. Da voz a una sensibilidad que antepone el asombro a las cosas a las cosas en sí: “Yo domo las palabras / en este territorio de esplendor / que se abre a lo posible / y al lúdico avatar de algunos dioses / que juegan a los dados.”. En el angosto deambular del tránsito, el sueño siempre es un lugar ameno, un territorio por recorrer que tiene sus itinerarios sobre lo real.
JOSÉ LUIS MORANTE
miércoles, 25 de octubre de 2023
JUAN JOSÉ MARTÍN RAMOS. SI NO VEO MI ROSTRO.
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| Si no veo mi rostro Juan José Martín Ramos Prólogo de José Ángel Cilleruelo Editorial Polibea Colección El Levitador Madrid, 2023 |
EN LA CALLE DEL TIEMPO
El volumen Si no veo mi rostro añade al entorno literario de Juan José Martín
Ramos (Madrid, 1961) los relieves de una nueva panorámica expresiva: el aforismo. Filólogo,
profesor de talleres, editor y persistente gestor cultural, ha publicado el
poemario Negar la luz (2007) y las ficciones La
curiosidad del espía (2006),
reconocida con el Premio Sur de Novela Corta, La
noche calma mi ansiedad (2008) y Légamo
del amor y de los libros (2016). Es
impulsor y responsable de las seis colecciones que tiene Editorial Polibea: «El Levitador» -poesía-,
«La espada en el ágata» –prosa-, «Orlando Versiones» –traducción– «Toda
la noche se oyeron…» -voces nuevas de la poesía latinoamericana más reciente, «Pasión de lo breve» -haikus, aforismos y escritura fragmentaria- y «Fuera de lugar», un intento de buscar sitio a publicaciones heterodoxas y misceláneas.
Si no veo mi rostro presenta
un escogido muestrario de aforismos en un momento en el que las teselas
verbales sentenciosas se han convertido en sólida plenitud expresiva. El
prólogo de José Ángel Cilleruelo comienza con un emotivo recorrido biográfico y
concluye con una lúcido análisis del minimalismo verbal de Juan José Martín
Ramos, a juicio del prologuista, integrado y coherente con “esta poética de lo
huidizo en la que se percibe “un claro sentido de lo gnómico” que apunta hacia
el anonimato del yo y la despersonalización expuesta en el propio título.
Poco a poco, como sucede en casi todos los
libros de aforismos, los escuetos motivos van hilvanando un caótico perfil
argumental, desde la actitud introspectiva del pensamiento. Las citas iniciales
eligen una tradición plural y canónica de voces fuertes: Miguel de Cervantes,
Francis Scott Fitzgerald, Josep Conrad y Francisco Brines. Puntos cardinales
clásicos, como si fuera necesario refrendar que la propia literatura nace como
raíz crecida bajo el suelo de un tronco centenario.
El escritor elige una dicción directa, sin hojarasca, que integra las
ideas con un deje de fatalismo aceptado: “La vida transcurre sin mí”; y que
transforma en paradoja la nostalgia crepuscular de lo no vivido: “A mí me ha
tocado ser yo”. El aforismo es una propuesta de reflexión y autoconocimiento,
una forma de sentir, un estar afectivo que comparte recuerdos y melancolías y
que hace de la rutina un aula abierta: “Bien mirado, entre las fechas de
nacimiento y muerte de una persona, el pequeño guión que las separa es toda una
vida”.
El recorrido argumental muestra un trasfondo crítico con nuestro tiempo
porque la convivencia diaria es siempre propicia a la decepción y al caminar
sobre las arenas movedizas de certezas transitorias. El balance experiencial amalgama
la intimidad del yo concreto y las huellas y reflejos de la voz colectiva: “La
desesperación y la soledad y la conciencia del fin son las condiciones de lo
verdaderamente humano. La salvación eterna: una mera añagaza de quienes no se
atreven a saltar sin red”. La escritura moldea el personaje verbal también
desde la literatura. Las refutaciones a pensamientos de escritores célebres son
frecuentes: Freud, Virginia Woolf, Joseph Conrad, Kafka… aportan reflexiones
que sirven a Juan José Martín Ramos para la reformulación verbal, como si los
espacios de la palabra necesitaran siempre componer muros nuevos, subrayados
subjetivos y autobiográfico. La sobria reflexión sobre el perfil del hablante
lo ratifica: “Condición de poeta: al papel no le interesa tu historia personal,
solo la profundidad del surco de la escritura y algún giro inesperado del
trazo”, “Depositamos en la escritura nuestra vana ilusión de supervivencia”,
“Literatura, edificio de la palabra para el silencio”, “Nada es un destino”.
En la aforística
de Juan José Martín Ramos la materia física tiene una manifiesta connotación de
fragilidad: “Vivimos como si fuéramos a acabar con un inútil fardo por cuerpo”,
“No queremos un cuerpo, apreciamos su dibujo”, “De lo superfluo en el cuerpo:
Sólo somos desgraciados de garganta hacia arriba”, “Al final nuestro cuerpo
decide por nosotros”, “El que se queda quieto ya ha llegado”.
Como escribe el autor “Ordenar los aforismos para un libro es querer
ordenar el pensamiento. Imposible “. Las frases concisas van naciendo en los
ángulos muertos de la vida cotidiana. Dejan la estela luminosa del chispazo, su
potencia verbal y los significados abiertos en la conciencia,
ese lugar apelativo donde se reflejan los trazos diluidos de alguien que no es: “Si no veo mi rostro,
¿cómo sé que soy yo?".
JOSÉ LUIS MORANTE
miércoles, 5 de julio de 2023
SILVIA RAMOS. CENIZA Y LUZ
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| Ceniza y luz Silvia Ramos Prólogo de Miguel Ángel Yusta Editorial Polibea Colección El Levitador Madrid, 2023 |
RESTOS EN PIE
Hay voces
que llegan al espacio poético del presente con el paso sosegado de la madurez,
cuando la escritura se impone con la contención y el buen sentido de lo
necesario. Así sucede con la obra lírica de Silvia Ramos (Huelva, 1972) cuya
carta de presentación Poemas de la
Medianoche (Libros del Mississippi, 2018) es una amanecida en torno a la
condición temporal del sujeto y a ese momento del día que enlaza la claridad
del devenir temporal, pleno de realidad, con el umbral de lo nocturno que abre
la puerta al sueño y a sus itinerarios oníricos.
La psicoterapeuta
onubense retorna a la poesía con Ceniza y
luz (2023) en la excelente colección El Levitador, que coordina el escritor
Juan José Martín Ramos. La introducción de Miguel Ángel Yusta recuerda que “la
poesía de Silvia Ramos posee una gran fuerza interior en permanente
profundización del conocimiento”. Quien abre sus manos al poema elige el
epitelio de una sensibilidad lírica para acercarse a la intimidad y percibir la grieta del asombro que nos rodea, la capacidad del sujeto de renacer y
convertir su estar diario en epifanía.
Silvia Ramos abre la senda
de Ceniza y luz con la meditación
“Silencios”, que elige la prosa poética como estrategia expresiva. El enfoque crepuscular
de la composición ubica al ser en un estado de incertidumbre y sombras, lleno
de naturalezas muertas, como recuerdos gastados que se desprenden del silencio.
Queda el deseo como vigilia que rompe la emplea la voz ensimismada de la
introspección para expandir el misterio del cuerpo, esa desnudez que convierte
la noche en un incendio.
La fuerza expresiva del título “Ceniza” que
aglutina los poemas del segundo apartado emplea como paratexto una cita de
Pablo Neruda que hilvana como hilo argumental la muerte del mundo, convertido
en misterioso almacén de cenizas. Los sentidos solo perciben la vastedad del
vacío y la identidad del yo poético que se adapta a la textura del entorno;
cuando el medio natural es el dolor hay que seguir, convertido en “piel
anfibia” y en la silueta gris de algún sueño incumplido.
La escritora
ensaya variantes formales como el haiku encadenado del poema “Muerte”, cuyo
cierre retorna al verso libre, o la expresión dubitativa de versos convertidos
en reiteradas interrogaciones donde la experiencia personal de un ingreso
hospitalario se convierte en motivo que constata la soledad y la ausencia, la
experiencia concisa de la pérdida. La ceniza se hace concepto, condensa
sensaciones, confunde tiempos, deja esas ascuas calientes de lo que fuera un
día.
La sección
“Paisaje” aboga por la necesidad de quien comienza de nuevo con la desnudez
precisa de la voluntad.
Se acrecienta la poda del poema que advierte de una escritura esencial,
mínima, que prefiere el empleo de escuetos recursos expresivos: “Háblale al
acantilado del vértigo; / de los días que enmudecen como el paisaje / y van
rasgando la voluntad de las noches”. Parecen mínimas las certezas que dan
refugio a la identidad: “Siento nostalgia de mi ser / cuando se aleja y
pretende olvidarme. / Lo observo levitar, caer lentamente / en un rincón
invisible”
En
este caminar hacia dentro del hablante verbal, la paradoja se hace evidente: el
tiempo discurre pero la existencia parece inmóvil, como si navegase en el
vaivén de un azar invisible que puede cambiar el rumbo en cualquier momento. Las emociones vagan y se extravían. Mientras
el sujeto se pregunta así mismo dónde estará la próxima estación, cuál es el
camino que conduce a la última meta: “Me he sentado en un banco a escribir un
poema. / Temo llegar con vida a ninguna parte”.
Silvia Ramos cierra su viaje por el poema
con el apartado “Luz”. Igual que un útero paciente que da tiempo y voluntad a
la germinación, la bruma emerge desde la densidad de la ceniza para constatar
la ontología de ser, el nuevo cauce del recién nacido, un reguero para el
manso fluir de las palabras: “Querer apresar la luz / es un fin platónico. /
Aspiro a vivir envuelta en fotones, / sentir la plenitud sensorial / y retornar
al principio, / cuando aún éramos libres”.
Ceniza y luz propone una nítida
indagación en la que el sujeto verbal emplea la palabra poética como espacio de
reflexión sobre la condición de ser.
Desde esos dos polos, ceniza y luz, que aparentemente proclaman un
abismo insalvable, el derrumbe se hace muro para alzar de nuevo un refugio capaz de ensamblar esperanza en el yo fragmentado. Se busca el comienzo como
un resplandor que muestra la hospitalidad de la esperanza, un despertar en plena noche que hace del sueño amanecida.
JOSÉ LUIS MORANTE
sábado, 15 de abril de 2023
ALERGIA
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| Paraísos a solas Hervás, Cáceres, 2022 |
ALERGIA
La serpiente padece una alargada alergia a las manzanas, por lo que
mantiene su guarida en un distante rincón del Paraíso, a conveniente lejanía de
mordeduras en el árbol del bien y del mal. De cuando en cuando cruza ante
sus ojos el desnudo resplandor de Eva
Y el reptil aprovecha el encuentro para elogiar la buena cualidad de aperitivo con panes y peces que tienen las raíces, los pequeños roedores y algunos gusanos de las hendiduras. El perfil de la hermosa muchacha asiente, pero sus hábitos alimenticios se han emancipado y dan la espalda al consejo.
La soberbia solitaria de dios aprieta los puños sin rendirse. No entiende el absentismo laboral de la serpiente y, acostumbrado a estar solo, tampoco soporta el sedentarismo remansado de Adán y Eva. Cada mediodía tiene un final idéntico; la expulsión suspendida nada enciende, es ahora una pavesa inmóvil.
Y el reptil aprovecha el encuentro para elogiar la buena cualidad de aperitivo con panes y peces que tienen las raíces, los pequeños roedores y algunos gusanos de las hendiduras. El perfil de la hermosa muchacha asiente, pero sus hábitos alimenticios se han emancipado y dan la espalda al consejo.
La soberbia solitaria de dios aprieta los puños sin rendirse. No entiende el absentismo laboral de la serpiente y, acostumbrado a estar solo, tampoco soporta el sedentarismo remansado de Adán y Eva. Cada mediodía tiene un final idéntico; la expulsión suspendida nada enciende, es ahora una pavesa inmóvil.
(De Cuentos diminutos)
miércoles, 1 de diciembre de 2021
RICARDO VIRTANEN. LLAMA DE LUNA (Haikus 2015-2018)
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| Llama de luna (Haikus 2015-2018) Ricardo Virtanen Prólogo de Susana Benet Editorial Polibea, Colección Pasión de lo breve Madrid, 2021 |
LOS PIES MOJADOS
Llama de luna (haikus 2015-2018) es
la cuarta entrega dedicada al haiku de Ricardo Virtanen, Doctor en Filología
Hispánica, Profesor de la Universidad Complutense de Madrid, poeta, ensayista
de largo recorrido, narrador, aforista, antólogo y músico. Una sensibilidad que
lleva inscrita en su voluntad de ser la diversidad, la aceptación de una
escritura plural y tiene los pies mojados en una marea estética de conocimiento
y búsqueda, articulada en géneros complementarios, desde una estética proteica.
Un quehacer que exhibe una encrucijada de escrituras, siempre desde un designio
poético expandido en vivencias e indagaciones.
La apertura “una breve llama que
alumbra la existencia” está redactada por la poeta y artista plástica Susana
Benet, personalidad creadora de sólida reputación en el cultivo del haiku, del
que ha dejado entregas referenciales en el centro del mapa poético
contemporáneo. La escritora opta por asociar el aporte textual del madrileño
con la música y la armonía, con la búsqueda de un tono adecuado que fije en
caracteres atractivos el pentagrama de la observación. Recuerda también el
trayecto recorrido con las entregas La
sed provocadora (2006), Sol de
hogueras (2010) y Nieve sobre nieve (2017).
El título, tan cercano en su paronimia al recuerdo musical de la sonata para
piano de Ludwing van Beethoven o al romántico Claro de Luna becqueriano, en
palabras del poeta recordadas por Benet: “alumbra lo necesario para que nuestra
existencia merezca la pena”. Cierra el pórtico con un análisis pormenorizado de
la estructura orgánica del material poético, que contiene tres tramos de
contenido yuxtapuesto, sin giros ni quiebras expresivas.
El primero “En la intemperie” sugiere
despojamiento y desnudez, la percepción del entorno con un aura de amanecida:
“Tiembla la luz / frente al color morado del crisantemo.”, “Niebla primera /
del año y nada ocurre / tras la ventana”, “El bosque rojo. / Las llamas
iluminan / un cielo inmenso”, “Tras la montaña / han nacido las sombras / del
nuevo día”. El apartado aborda sin pausa sensaciones sensoriales que abren una
cadencia reflexiva en el fluir sosegado del pensamiento. La conexión con el
entorno recuerda un puente que cruzamos hacia la serenidad, que deja constancia
de la mínima presencia de lo cotidiano, de esa intemperie que requiere refugio
en la casa abierta de la percepción, sin acción escénica con ese asombro
constante que nos hace vulnerables y desnudos, espectadores de la sombra y la
luz. El
haiku es una búsqueda de lo intemporal, una estrategia que permite transcender
lo real y conducirnos a otras dimensiones que amplían los espacios argumentales.
En “Pura tibieza”, como reafirma Susana Benet, aflora el agua fresca de los
sentimientos. La mirada se interioriza y promueve un retorno a la
introspección: “Nada se mueve / bajo la noche oscura. / Solo unos ojos”. La
luna se hace elemento esencial de la sugerencia simbólica: “No te distraiga /
la imagen de la luna / mientras la besas”; “¿Sangra la luna / o son mis ojos
que / aún la recuerdan”. Al mismo tiempo, se refuerza la contemplación del
paisaje como suma de humildes teselas que se aposan en el interior de la
mirada: “Nunca la nieve / cerca del corazón. Llama de nadie”.
La breve coda final “Llama de nadie” requiere una breve digresión por su
discordante molde formal. En el arte poética del haiku, todavía es poco
conocido el haiku de ritmo libre, que encontró alturas singulares en voces como
la de Taneda Santoka (1882-1940) y que se apoya en una genealogía que integra a
Masaoka Shiki y Ozaki Hosai. Este haiku proclama el valor de la sinceridad y
surge de un impulso modernizador de la estrofa que alienta poéticas personales,
aunque compartiendo la idea del poema como instantánea de lo cotidiano. Estas notas
se perciben en el tercer tramo “Llama de nadie”. El haiku rompe su estructura
canónica para apresar la idea, la sensación, la vivencia o el cauce interno de
la decepción. Prevalece el empeño de fijar instantes y sensaciones: “Aquellas
fuentes / dan de beber al aire”; “La luna alumbra / más allá de los sueños.”;
“No sabe el grillo / que lo escucho en silencio”; “El sol en la retama. /
Helado el corazón”.
Llama de luna tiene en su
apariencia el encanto de lo sencillo; pero sus páginas cobijan el pulso
tensional de la belleza. Sus textos nos dejan la voz de Ricardo Virtanen, esa
celebración existencial de quien se reconoce en las cosas y cristaliza su
mínima presencia en el discurrir de su indagación existencial, con la sabia
sintaxis de la palabra exacta, con el cálido temblor de la belleza.
lunes, 27 de septiembre de 2021
ELOGIO DEL HAIKU
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| A solas Fotografía de Adela Sánchez Santana |
El blog “Puentes de papel”, activo desde el treinta de diciembre de 2010, ha reanimado mi práctica del esquema versal, a la vez que ido acumulando lecturas clásicas y de contemporáneos, estudios ensayísticos y antologías, pues de todos es conocida la copiosa colección de haikus que han producido las últimas hornadas.
Mi inclinación afectiva hacia esta forma lírica se cimenta en su brevedad. Asegura una intensidad gozosa, con la pupila abierta para cobijar argumentos, más allá de su supuesta condición de lírica estacional, por su carencia de artificio retórico y por la condición de chispazo inmediato.
Así que es previsible que estas líneas que elogian la estrofa no sean más que un síntoma temprano de otro libro de haikus. Esperemos.
JOSÉ LUIS MORANTE
lunes, 23 de septiembre de 2019
MANUEL NEILA. RENDICIÓN DEL HÉROE
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| Rendición del héroe Del poeta romántico al hombre imaginativo Manuel Neila Prólogo de José Manuel Lucía Mejías Editorial Polibea Colección La espada en el ágata Madrid, 2019 |
MIRADAS LITERARIAS
El incansable entusiasmo de Editorial Polibea, que dirige el escritor
Juan José Martín Ramos, impulsa la salida de Rendición del héroe, una selección de ensayos breves del poeta,
crítico, aforista y antólogo Manuel Neila (Hervás, Cáceres, 1950). El volumen,
subtitulado Del poeta romántico al hombre
imaginativo, amanece con una mirada prologal del profesor y ensayista Juan
Manuel Lucía Megías. La andadura crítica de “El hilo (invisible) del
Romanticismo” devana el enlace umbilical con el movimiento romántico a finales del
siglo XVIII y la vigencia de su trayectoria hasta la modernidad. Más allá del
concepto empobrecido que limita el romanticismo al calado sentimental, el
ideario deja claves de uso que exaltan la libertad singular del sujeto entre la
multitud, el contacto del hombre con la naturaleza, la inmersión del soporte
lingüístico en el coloquialismo confidencial y la fuerza expansiva de una concepción
artística que sitúa al yo concreto como epicentro de la conciencia.
Según el prologuista, Manuel Neila visualiza la sensibilidad romántica
como un cabo estético que tiene su amanecida germinal en la obra de Coleridge y
que se difunde, desde una mesurada diversidad, en los planteamientos de autores
como Byron, Baudelaire, José Zorrilla, Nietzsche, Rubén Darío o John Reed. Así
se fortalece un diálogo abierto con la tradición, cuya configuración se explora
a a través de un despliegue de interrogantes, que sirve como pauta indagatoria:
“¿Qué es lo específico de estas figuras históricas? ¿A qué deben su aparición
dentro de las diferentes instituciones culturales de la civilización burguesa?
¿Cuál es su función en la estructura de nuestra sociedad técnica y científica?”.
Desde esos ámbitos, el estudioso compone un pentagrama crítico que ha ido
publicando en revistas y que ahora completa plano general con inmersiones en el
aforismo, subgénero muy presente en el perfil estudioso y creador de Manuel
Neila.
Por su entramado, la entrega puede considerarse continuación del volumen
La levedad y la gracia (renacimiento,
2016) que aglutinaba también enfoques críticos parciales adelantados. La
coherencia de ambos libros, al sumar visiones críticas distanciadas y
autónomas, nace del argumentos central de una escritura donde se va gestando en
el tiempo un legado continuo que se retroalimenta y expande con otros enfoques.
Los trabajos de Rendición del héroe rastrean
roles activos de personalidades creadoras, cuyo discurrir biográfico cuestiona
el clima epocal para abrir sendas inexploradas a la sensibilidad subjetiva.
Ya se ha comentado que corresponde a Samuel T. Coleridge, junto a
Wordsworth, la primera andadura del movimiento romántico con su libro Lirical ballads (1798); en sus poemas se
reivindica lo mágico en contraposición al gélido racionalismo ilustrado. Otro
protagonista esencial en este intervalo de rebeldía y aspiración al ideal es
Lord Byron, a quien se dedica el estudio “Peregrino de la libertad”. Se me
permitirá aquí un breve inciso para destacar el quehacer del traductor y
antólogo Pedro Pérez Prieto (Navaescurial, Ávila, 1953) que desde 2003 versiona
al castellano a figuras esenciales de la lírica anglosajona, con incansable
fidelidad y un innegable sentido estético, como certifica su traducción de la
obra de Lord Byron.
También el trabajo “Lord Byron y Emilio Castelar: vidas para leerlas”
insiste en la fuerza creadora del romántico, los avatares biográficos y la
consolidación de su magisterio en el núcleo del castellano, gracias, entre
otros, a los aportes de Castelar, uno de los primeros estudiosos del poeta en
nuestro idioma.
Otras demarcaciones críticas se dedican al teatro romántico hispano y a
la contribución esencial de José Zorilla, cuyo drama Don Juan Tenorio concedió plena vigencia al ideario en los
escenarios teatrales al reactualizar la caracterización del mito clásico,
exento de moralismo y con resaltables innovaciones formales. Completan el
perímetro de intereses de esta primera parte incisiones meditativas sobre
Charles Baudelaire, Nietzsche, Rubén Darío y John Reed.
El apartado de cierre, bajo el epígrafe “Otras apreciaciones” integra
artículos breves y reseñas que tienen en común el recorrido por itinerarios de
cultivadores del aforismo. Inicia el sondeo Antonio Machado, cuya trayectoria
poética convive con la expresividad lacónica del proverbio. En él rige un
pensamiento escéptico nacido del descrédito de valores de la sociedad burguesa
que, con frecuencia, recurre a los apócrifos para universalizar reflexiones
subjetivas.
La nómina de acercamiento integra dos hispanoamericanos, el mexicano
Amado Nervo y el boliviano Fran Tamayo, dos cultivadores del minimalismo
expresivo que aportan una tradición no derivada del pensamiento occidental
europeo.
El apartado se completa con Juan Ramón Jiménez, sin duda el aforista
poético mejor dotado de nuestra literatura, como se constata en el fecundo
espacio de Ideolojía, la edición más
completa del legado aforístico que llevó a cabo el hispanista Antonio Sánchez
Romeralo, cuyas pautas sirven de norte a ediciones posteriores. Coetáneo del
poeta de Moguer es Eugenio d’Or, quien propició el cultivo de una estética
moderna, cercana al fragmento en sus glosas, textos mínimos sobre la actualidad
literaria, el pensamiento personal y los avatares de la convivencia Y añade una
mirada a la parca obra aforística del humanista y polígrafo aragonés José Camón
Aznar, cuyas intuiciones se recogen en el libro póstumo Los aforismos del solitario (1982). La galería ensayística muestra
también exploraciones sobre algunos heterodoxos del canon literario actual como
Cirlot, Cristóbal Serra, Carlos Edmundo de Ory o Rafael Sánchez Ferlosio.
Aunque, como se ha comentado, el fondo aglutinador de esta segunda parte
es el aforismo, el apartado mantiene una configuración abierta que añade moldes
reflexivos diversos. En torno a Federico García Lorca se recuerda la prosa
meditativa del poeta que aparece en su carta de presentación literaria, Impresiones y paisajes. Esta obra de
amanecida es una emotiva compilación de recuerdos, personas y figuras nacida de
la percepción descriptiva del viajero. Otros relevantes protagonistas resultan
Octavio Paz, José Lezama Lima y oportuno resulta el recuerdo de un poeta del
medio siglo, casi orillado en los análisis críticos de la generación del medio
siglo: Carlos Sahagún.
Ameno, sugestivo y clarificador, el conjunto ensayístico de Manuel Neila
explora la peculiar evolución del romanticismo a través de una geografía coral
de voces esenciales. Rendición del héroe visualiza
en plano corto el periplo de una etiqueta estética cuyo magisterio sigue
caminando hasta el tiempo digital. Una meritoria compilación que renueva la
profesión de fe de Manuel Neila y su sensibilidad crítica en la poesía y en el
aforismo; que hace del escritor un testigo privilegiado de nuestro tiempo.
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