CARMELO CHILLIDA. IDEARIO POÉTICO

Carmelo Chillida
Fotografía de
Venezuelan Press

IDEARIO POÉTICO DE CARMELO CHILLIDA

   Aunque es tierra firme que la poesía es un fin en sí misma y no tiene otro afán que buscar, desde el lenguaje, la verdad, y la belleza, esto no significa decantarse por los postulados teóricos del arte por el arte, tan gratos a Victor Cousin, Théophile Gautier y tantos epígonos tardíos del idealismo kantiano. Como sustrato expresivo concreto, el texto puede ser un instrumento que interaccione realidad histórica y sujeto. Una larga tradición en el tiempo afianza la tenaz voluntad de entender ese deseo de transformar el espacio colectivo a través del poema. Pienso en Bertold Brecht, César Vallejo, Pablo Neruda, Maiakovski, Roque Dalton, Rafael Alberti, Mario Benedetti, Ernesto Cardenal, Rafael Alcides, Heberto Padilla o Juan Gelman… Y pido disculpas si el inventario es excesivo.

  La palabra poética expande su geografía creadora para abrazar la polémica política a través de una representación figurativa, repleta de densidad significante. El sujeto verbal se hace cronista, adquiere una perspectiva diferente, busca líneas, registra y anota en el papel; asume la tarea de dar voz al espacio colectivo y hace de la denuncia la zona medular del poema.

  No se trata  de pronunciar un discurso mesiánico, declamatorio, pronunciado sobre el lodazal, sino de construir un lugar compartido en el poema. Lo explícito se enriquece a partir de vínculos difuminados que requieren un desvelamiento de claves para que la lectura del lenguaje simbólico tenga una potestad efectiva.

  Exacerbado y juez, Platón propuso expulsar a los poetas de la república, por ser elementos perturbadores que interfieren en la convivencia cívica. La poesía política, cuando no se enturbia por una monocorde propaganda ideológica, guía los pasos del regreso, da visibilidad al hombre de la calle. Tras el retorno de la palabra poética a la ciudad de todos, el acontecer respira en común. La normalidad se hace cronología para que el protagonista poético sea una presencia activa, capaz de forjar el destino de su ser subjetivo. El lenguaje olvida el vuelo transcendente para asumir una conversación desde la interioridad.

    La poesía es una vía de acceso, una sutura en el fondo invisible, una incisión en lo aparente. Así lo constata Roberto Juarroz en uno de los fragmentos de “Realidad y poesía”: “El poeta es un cultivador de grietas. Fracturar la realidad aparente o esperar que se agriete, para captar lo que está más allá del simulacro”; el poema deviene entonces “una soldadura de huesos y ruinas”.

   Carmelo Chillida aspira a que el ideario poético supere el angosto espacio de la simple etiqueta conceptual para abordar el hecho literario como experiencia desacralizadora. Para ello fusiona dicción hablada y lenguaje poético. Frente al aura sagrada del vate sacerdotal personifica el poeta terrestre, asentado en la contingencia histórica, sin iluminaciones ni contactos con lo sublime. Sabe que todo es efímero, lo que nos hace transitar los espacios de la memoria y lo que se convierte en materia de observación, pero sabe también que la poesía es lo social como compromiso. No cree en el tópico del intelectual encerrado en la torre de marfil de su pensamiento. En cada sujeto conviven lo privado y lo público y es un estímulo de la vida diaria alentar estrategias de convivencia entre ambos espacios. Solo la superación del ego subjetivo revaloriza la utopía, nos hace protagonistas en el escenario de lo histórico. Somos individuos solidarios. Todo yo es otro.

HILOS DE LLUVIA

Miradas
Archivo digital
 de internet

HILOS DE LLUVIA

Hilos de lluvia,

la noche desmadeja

un sueño gris. 

LLEGADA A LAS ESTATUAS

templos de Angkor
(Camboya, 2017)
Fotografía de
Adela Sánchez Santana.

LLEGADA A LAS ESTATUAS

Cuando no supe de qué hablar con los hombres
caminé a una rotonda y me dispuse
a enmudecer, sin más, entre sus piedras.
Respiré con deleite la tibia arqueología,
y supuse fecundo aquel silencio
por alguna sonrisa en mármol cincelada,
y por ciertos residuos gestuales,
capturados
en los periplos grises de los viernes.

Miraban recelosas las estatuas,
posando en actitud mesurada y distante,
tal precoces alumnos de liceo burgués...
Fue preciso que tendiera mi mano
y dando tregua
a palabras, latidos, ademanes y toses,
viví aquel primer día
                                de muerto
con recién estrenada compostura,
harto conforme.

                   
                              Rotonda con estatuas (1990)

JOSÉ LUIS TOBALINA CUERDA. TRILOGÍAS

José Luis Tobalina Cuerda
(Algeciras, 1960-2008)
Imagen de
EUROPA SUR

DESDE EL RECUERDO

Con mi gratitud,

para Concha Cuerda Rodríguez,

por su hondura habitable

para guardar recuerdos

Trilogías

José Luis Tobalina Cuerda

Prólogos de Luis García Montero y Juan José Téllez

Ayuntamiento de Algeciras y Europa Sur, editores

Algeciras, Cádiz, 2010

  Pocos ámbitos geográficos han ejercido una influencia tan nítida en la vocación literaria como la ciudad de Granada en el despertar de la Transición y en el arranque de los años 80. Lo han comentado no pocas veces protagonistas directos de aquella época como Juan Carlos Rodríguez, Antonio Jiménez Millán, Mariano Maresca, Ángeles Mora o los poetas agrupados en torno a la etiqueta crítica “La otra sentimentalidad”, que supuso un claro revulsivo a la continuidad epigonal de los venecianos.

 Se multiplicaban tertulias, convocatorias colectivas, certámenes literarios y en la universidad se impulsaban revistas donde habrían de publicar sus primeros textos amanecidas literarias. Así sucedió con la voluntad literaria de  José Luis Tobalina Cuerda (Algeciras, 1960-2008). Estudiante de Derecho y de la Facultad de Filosofía y letras durante dos años, comienza a participar en el clima literario creado en torno a la revista Nefelibata y comparte sendas creadoras durante un tiempo, hasta que se instala en su provincia de origen para ejercer como periodista hasta su fallecimiento, tras una larga enfermedad. En 2002 anticipa poemas en la revista Almoraima, bajo un título cernudiano Donde solo habiten la nada y sus olvidos.

   Luis García Montero recrea en el liminar, desde la voz de la melancolía, aquel pasado común en la ciudad del Darro. El viento de otoño de la memoria recupera encuentros, contactos epistolares y esos enlaces afectivos que mantienen vivos fotografías y recortes de prensa. También de la inquietud básica de José Luis Tobalina Cuerda de hacer de la poesía expresión pactada de su sensibilidad  y de registrar la realidad cotidiana. Al cabo, como escribe Luis García Montero: “Escribir poesía es luchar contra los dogmas, que representan la prisa de las ideas y el acomodo de los sentimientos”.

   Desde la voz de una amistad profunda, Juan José Téllez, aborda las coordenadas de Trilogías; el poemario es una sucesión de trípticos con una manifiesta voluntad orgánica que bebe del simbolismo más que del realismo machadiano. Y hace también un recuento vital de aquellas actividades que fueron dejando su estela temporal con la impronta humana del poeta y con el quehacer continuo del periodista, siempre apegado al clima cultural de su entorno.

  La poesía de Trilogías es una mirada al cauce existencial del sujeto. Habita la incertidumbre. Sabe que el discurrir está marcado por la fugacidad y que es necesario buscar referencias en las que habite la esperanza para que sea posible conjugar la vida. Así nace la invitación a la ternura, la voluntad firme de techado que proporciona el amor hacia el hijo, la fuerza vital que hace del amor el núcleo básico de la intimidad y el contacto cercano con una geografía habitable que expande sus rincones para dejar en los sentidos la huella del asombro.

  La palabra es consciente también de los desajustes de la realidad. sabe que los días son derrotas y que el derrumbe se instala al borde los labios; el poeta vela y no renuncia a rebelarse contra la noche, cobija sus afanes en las manos germinales del sueño, o regresa al pasado desde la memoria para habitar un tiempo en el que todavía la luz extendía sobre las cosas su transparencia.: “Del asalto rescato como botín la niñez / y el perfil dibujado en la arena por sus pechos, / aquel atardecer en sus ojos / la penumbra que dictan los silencios, / una canción enredándonos en un futuro que no iba a ser”.

   El poema de cierre de Trilogías es una reflexión sobre la muerte como disolución en la nada, en donde las palabras dejan de oírse para habitar el silencio. Es entonces cuando la memoria adquiere toda su razón de ser, cuando la ausencia se hace imagen de un diario íntimo que perdura en el tiempo, que nunca huye porque forma parte de la identidad de quien ama. Y amar es una casa que resiste al tiempo.  

  

DAVID ALIZO. MI QUERIDA MUERTE

Mi querida muerte
David Alizo
Kalahos ediciones
Alcobendas, Madrid, 2018

ENCUENTROS

   En un hábil ejercicio compositivo, Mi querida muerte, novela póstuma de David Alizo (Escuque, Estado Trujillo, 1940-2008), funciona como una encrucijada de apariciones. La descomposición social de Venezuela y el daño irreversible que sus ciudades muestran en las aceras grises de lo diario, ocasiona un exilio inagotable. Nada queda en pie de una forma de vida cobijada en el paraguas cotidiano de lo rutinario. Ahora el porvenir no tiene porvenir; es necesario acomodar la existencia en otro sitio. Esa perturbadora situación margina también el entorno afectivo. Hay que zarpar entre la niebla y crear variaciones de rumbos en las que acaso pueda verse un futuro.

   El novelista recurre a la primera persona del testigo implicado para hilvanar el tránsito de amigos y conocidos que lo visitan, en su domicilio londinense. Llegan con biografías desaliñadas, casi al borde de la existencia y sus vidas van reconstruyendo pasados fantasmales que exigen una reflexión sobre la mediocridad del país. Todos proceden de un club de época, el Syrtaki, un lugar de reunión en el que fueron tejiendo biografías hasta que “el manto arácnido de la política subdesarrollada del país” provocó un estado de tensión constante. La rutina se hizo inhabitable. Y hubo que buscar salvavidas a tiempo.

   El hablante ficcional es Juan Carlos Brull, según confirma un correo electrónico personal que es una invitación nominal a una fiesta privada; así sabemos quién nos va proporcionando los datos enlazados de secuencias vitales por las que caminan los personajes accionales. De este modo se trazan las líneas genéricas de un cuadro hiperrealista que nunca olvida el contexto histórico general. El ambiente social se ha enrarecido tanto que el conformismo se rompe; mucha población sale a la calle y participa en huelgas, protestas urbanas y caceroladas que exigen un cambio de gobierno. Pero el ejército vela por el continuismo dictatorial y no duda en sofocar por medio de métodos represivos o violentos cualquier activismo. El gobierno se perpetúa y la gente sigue buscando salida a una conciencia mortificada.

   Cada biografía acompaña sus pasos con un inventario de actitudes y recuerdos que no pocas veces crean lecturas contradictorias en los demás. Así sucede con el periplo exietcnial de Clara Inés Villegas, Cecilia Guardia, Lucía Mendieta, Lenin Bondrián o tantos amigos del Syrtaki, un bar que encierra en sus paredes una época en la que todavía el pesimismo no era una planta parásita. Los menores gestos cotidianos adquieren así dobles lecturas, en las que casi nadie es lo que parece. Huitobro, ese sujeto capaz de disparar contra su propia imagen en una fiesta es un enamorado que busca complicidad y consejo, tras su ruptura sentimental con una belleza, Mihaila Dimitrescu, una mujer rumana que da pie a establecer abundantes paralelismos entre la descomposición del régimen dictatorial de Chauchescu, y el feroz declive de Venezuela, gestionado por un fundamentalismo ideológico preocupante donde solo funciona el aserto “conmigo o contra mí”.

  Brull va componiendo un mapa confidencial que busca justificación a distintos elementos de la intriga como el cuaderno de chismografía, una olvidada carta o las confesiones intimistas de sus contertulios. También él ha consumido un poblado itinerario de desastres en el que la muerte ha tenido un peso fáctico y ha dejado alrededor la enfermedad, la muerte violenta o el suicidio, lo que lleva a sospechar a los demás que es un portador de desgracias. Esa es la clave del título; la muerte es parte de la propia identidad.

   David Alizo, inolvidable creador de Nunca más Lili Marleen y Safo de mil amores,  da testimonio de un punto de vista subjetivo y curioso sobre un momento clave de la historia reciente de su país. Recurre a un entrelazado de recuerdos escondidos en las ondulaciones de la memoria. A través de esas voces ofrece perspectivas sobre una realidad desencajada. Actualiza las sensaciones del clima político y los múltiples aspectos de una descomposición colectiva. Ahora, la cuestión principal es descubrir el hilo del futuro, saber si existe todavía algún espacio de supervivencia.   

LADERAS

Laderas
(Castro de las Cogotas, Ávila)
Fotografía de
Rubén Sánchez Santana

LADERAS

(Selección de Aforismos)

Hay piedras que ocultan una mirada estrábica.

Se quedó en la ladera, sin ascensos ni cumbres. Alquiló una quietud respetable, para fingimientos y usos cívicos.

Tarde de escalada con reproches y un cansancio que respalda el pasado común.

Ese tenso diálogo entre la cobardía expansiva y el remordimiento.

Su optimismo sugiere que la lógica cierra camino al caos.

Músculos vigorosos, épicos, espartanos; levantan muros con la mirada.

En los días de campo solo miro, para evitar la tartamudez de ideas.

Es tarde; el momento justo de hacer casi todo.

STEFAN ZWEIG. CARTA DE UNA DESCONOCIDA

Carta de una desconocida
Stefan Zweig
Traducción de Berta Conill
Acantilado, séptima edición
Madrid, 2005

                                   

CALIGRAFÍA DEL CORAZÓN

   En este relato del escritor austriaco Stefan Zweig (Viena, 1881-Petrópolis, Brasil, 1942) asistimos a un singular proceso de introspección. Una voz anónima remite la confesión de sus vivencias más íntimas a un famoso novelista. El detonante de esta explosión epistolar es el dolor. El hijo de la desconocida ha muerto y el único modo de cauterizar el dolor y la soledad es someter a la memoria a una minuciosa reconstrucción de lo acontecido desde los trece años, en el despertar de la adolescencia, hasta los veintiocho.

   El largo soliloquio es un pliego de casi veinticinco folios, sin remite ni firma, encabezado por este enunciado: “A ti, que nunca me has conocido”. La carta elabora un vivo retrato de una sensibilidad que se reafirma en el valor de lo ideal. Es en la infancia, cuando por primera vez se tropieza con el escritor que casualmente alquila una vivienda en el mismo edificio. Los muebles, la presencia de un mayordomo, el porte personal del adulto chocan profundamente con su entorno habitual. Mientras ellas se siente protagonista de una vida opaca y sin relieve cree que el escritor protagoniza una doble vida, capaz de respirar esa ambigüedad interina en la que se imagina el secreto de la existencia. Esta mitificación se transforma poco a poco en amor. Es un amor utópico e idealizado que pasa inadvertido. Para el recién llegado la niña vecina no existe y todo el proceso vital que ocasiona en la adolescente, primero y después en la joven mujer es sólo un recuerdo vago en que no puede precisar ni siquiera un rostro.

   Los avatares de la joven siguen su curso, el destino conspira para que el alejamiento entre los dos se precipite; el posterior embarazo aportará un conocimiento existencial doloroso en el que recorre los estratos más bajos de la sociedad. Pero incluso en esta situación la mujer mantiene inalterable sus afectos y no recurre a la ayuda del destinatario de su amor.

   Aunque el relato no está fechado, podemos deducir que la historia se desarrolla en la Viena de principios del siglo XX. Por entonces, Austria era una potencia continental regida por los Habsburgo, con una importante presencia en la política europea, al formar parte de la Triple Alianza. La capital es una urbe alegre y cosmopolita aunque con una desigual distribución de la riqueza que acentúa las diferencias de clase.

   Con la estructura del relato dentro del relato: el escritor recibe una larga carta en primera persona, asistimos a la inmersión de lo extraordinario en la normalidad en un relato aparentemente sencillo en el que el espíritu romántico de la protagonista prevalece, como si fuera un himno a los sentimientos más puros. En muchos sentidos esta pasión se acerca a la poesía. Contra el mito de Narciso que se mira a sí mismo como depositario de belleza, quien ama rompe el espejo del yo para contemplarse en el otro y hace del amor un principio esencial, un sol diario.