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| Valle de la Sombra de la Muerte Imagen de internet |
Ya lejanía,
ahora prestan sus labios
voz a la nada.
(Inédito)
miércoles, 9 de febrero de 2022
martes, 8 de febrero de 2022
RODOLFO SERRANO. EL FRÍO DE LOS DÍAS
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| El frío de los días Viejos tangos encontrados en una maleta Rodolfo Serrano Prólogo de José María Sanz, Loquillo Ediciones Hoy es siempre Madrid, 2021 |
EL FULGOR DEL TIEMPO
Se me permitirá que retarde un
instante la mirada crítica sobre el quehacer poético de Rodolfo Serrano (Villamanta,
Madrid, 1947) con un mínimo anecdotario personal. A pesar de los muchos amigos comunes,
de mi admiración por su trabajo periodístico en El País, en la etapa más sobresaliente del medio de comunicación, y
de la presencia de sus letras en la voz de cantautores que escucho con
frecuencia, conocí al poeta en persona hace muy pocos meses. Coincidimos en
Madrid, en un encuentro gastronómico organizado por Juan Antonio Mora Ruano que
resultó, como suponía, un relato enunciativo, pleno de afecto y complicidad. En él normalizamos, con la incansable generosidad de Juan Antonio, las muchas afinidades que enlazan nuestras maneras de entender las
cosas.
Poco a poco, he ido hilvanando el perfil poético de Rodolfo Serrano. Sumo lecturas hasta llegar a su última ventana al sol, El frío de los días, subtitulado con un explícito aserto de
orientación “Viejos tangos encontrados en una maleta”, que arranca con un texto introductorio de José María Sanz
(Loquillo).
El músico firma “El incendio en Lisboa”, un texto introspectivo que
tiene el aire de un relato de serie B, esos que integran las ideas con un deje
de perdonavidas, con el son canalla de quien habita la esquina del
escepticismo, tras haber regresado de todos los viajes, y que siente una
nostalgia crepuscular de lo no vivido. Loquillo habla del amigo, de su estar
afectivo, de su devoción por una poesía habitable que comparte recuerdos y
melancolías y que hace de la rutina una dulce derrota.
El recorrido poético, con ese trasfondo musical del tango que tanta
cadencia melancólica deposita sobre las aceras del presente, comienza con una composición con ecos de Blas de Otero, titulada “Testimonio vital”. Sus versos están ligados
a una estética realista, comunicativa y experiencial que amalgama intimidad y
reflejos colectivos. La escritura moldea el personaje verbal como una presencia
hecha de sueños frustrados, pero capaz siempre de hacer del corazón el último
refugio inexpugnable. La evocación del discurrir pretérito por la infancia
configura abundantes composiciones que dan al poemario un subrayado
autobiográfico. La sobria reflexión sobre el tempus fugit va modulando los pasos en la edad de la inocencia y el
despertar de los sentidos, cuando todo era comienzo y senda abierta, junto a
nítidas vigas sentimentales: el padre, el abuelo “con su olor a vejez y
retama” y esa gente del barrio con la que compartir la callada solidaridad de
la pobreza.
En la
generación del poeta tiene una manifiesta connotación histórica la posguerra;
ese ambiente sombrío del régimen vencedor y su estela de derrotados. Una
sensación de fragilidad y penumbra alienta poemas como “Los comunistas” o “Miedos
antiguos”. Persiste en las palabras la gratitud, a los que lucharon para mantener viva la
llama de esperanza, o ese terror antiguo a la autoridad oficial, siempre
ejercida sobre los más desvalidos. Las composiciones van naciendo en los
ángulos muertos de la vida cotidiana que, de pronto, dejan la estela luminosa de
persistente evocación en la que regresan el pueblo, los veranos, o los viajes
entrañables como el que se cobija, con la figura de Antonio Machado en la
retina, en el poema “Soria fría, Soria pura”. No es el único itinerario que
recorren los pasos de la escritura, cuya cartografía aloja nombres propios como
Lisboa, Ushuaia, Moscú, o ese Madrid con lluvia que deja en primer plano el
afecto literario a la poesía de Karmelo C. Iribarren (una de las afinidades
expuestas en el inicio de esta crónica lectora).
El extraño ámbito creado por la pandemia es otro territorio semántico de
El frío de los días en el que el poeta
profundiza para reflexionar en las conexiones de sus significados con la
conciencia. “Ante la fotografía de portada de El mundo“ denuncia con meridiana solvencia el amarillismo y la
manipulación política de los efectos del
coronavirus. El contexto de ensimismamiento y soledad no se ha borra en otras
composiciones, como tampoco se borran los efectos erosivos en el propio cuerpo
de la enfermedad y sus grietas. De esa llegada a otro tiempo que obliga a
mantener en guardia viejos hábitos y a tomar la senda diaria con más sosiego.
En El frío de los días,
Rodolfo Serrano convierte el poema en territorio de posibilidad y
reconocimiento del paisaje sentimental. Retornan instantes del álbum de la
memoria, hechos de añoranza y luz dorada, cuyo color guarda de lo vivido un
dibujo lejano, y con un vago gesto de extrañeza. Los pasos del yo que se mira a sí mismo, con la piel desnuda de la introspección, en la calle
abierta del tiempo.
JOSÉ LUIS MORANTE
lunes, 7 de febrero de 2022
RITUAL DEL LUNES
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| Mientras camino (Madrid, invierno de 2021) Fotografía de Javier Cabañero Valencia |
RITUAL DEL LUNES
JOSÉ LUIS MORANTE
sábado, 5 de febrero de 2022
CARLOS MORALES DEL COSO. IN NOMINE AUSCHWIT
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| In nomine Auschitz Antología de la poesía del Holocausto Carlos Morales del Coso (Edición, selección y estudio introductorio) Prólogos de Rafael Narbona y Fernando Navarro Traducción VV.AA Editorial Última Línea Coedición de CITMA (Centro de investigación sobre Totalitarismos y Movimientos Autoritarios) Málaga, 2022 |
MEMORIA DE LA SHOAH
Entre el paso helado del invierno, llega In nomine Aschwitz, una
propuesta literaria largamente esperada del poeta, traductor y editor Carlos
Morales del Coso (Tarancón, Cuenca, 1959). Las vértebras de esta antología
poética alzan intacta la memoria del Apocalipsis, auspiciado por el III Reich
en la Alemania nazi durante la II Guerra Mundial. Como otras veces, inicio el quehacer
crítico evocando al filósofo Theodor W. Adorno, brillante pensador de la
Escuela de Fráncfort y ejemplar conciencia moral de la posguerra. Él formuló
una pregunta de imposible respuesta sobre la experiencia del Holocausto, máxima
degradación del poder totalitario: “¿Se puede escribir poesía después de
Auschwitz?”. El desconcertante aserto cuestionaba de forma total la práctica
estética y la propia existencia del género poético, tras el exterminio judío en
los campos de concentración. La reflexión y su exigencia histórica anunciaban
con esa concisa densidad semántica que, desde la subjetividad racional, solo es
posible la máxima “Que Auschwitz no se repita”. Era la conclusión explícita con
la que el filósofo reflejaba la esencia de la moral en el sujeto libre y su
solidaridad con las víctimas.
Pero Adorno erró en todos los sentidos y su dictado solo fue una falsa falacia, de la que no tardaría en retractarse. No supo medir el profundo impacto de la
cicatriz. Adentrarse en la herida
abierta del dolor da continuidad a la voz de los exterminados y rompe la idea
del ser individual, hecho estancia cerrada e incapaz de concebir al otro en su
latir autónomo, distinto y singular.
Y esa es la visión nuclear e integradora de Carlos Morales del Coso al editar In nomine Auschwitz, un amplio estudio con una muestra epilogal de composiciones para que jamás se apague el impactante refrendo poético de la Shoah.
Es sabido que la estructura fragmentaria de las citas niega cualquier ubicación gratuita. Están ahí porque siembran indicios, inician líneas de pensamiento y ofrecen, desde su laconismo, las posibles constantes del contenido. In nomine Auschwitz acoge entradas verbales de Sandro Pertini, Joan Margarit, Carlos de la Rica y San Mateo. con textos anudados en la percepción del dolor existencial y la búsqueda tenaz de equilibrio. El estimulante paratexto precede a una nota de gratitud del autor manchego que ubica en primer plano a Carlos de la Rica, sacerdote, creador, impulsor y surco abierto de la idea. En el lecho de muerte, el 11 de agosto de 1997, sugirió al continuador del empeño editorial El Toro de Barro la realización de esta singladura. El volumen moldea el trabajo de veinticinco años de esfuerzos e incertidumbres. La fuerza de seguir ha superado inconvenientes y cansancios gracias a la entrega de Jaime Vándor, superviviente del abrazo mortal del genocidio, profesor universitario e inagotable flujo de documentación. También a poetas, traductores, ensayistas y críticos, como Pilar Gómez Bedate, Víctor Toledo, Margalit Matiatiahu, Esther Bendahán, Gerardo Lewin, Jonio González o Andrada Tomescu, entre otros.
La entrada de Fernando Navarro, historiador español del Holocausto, desde su perspectiva moral incide en recordar que en la ominosa distopía nazi la belleza es un grito, una posibilidad de utopía frente a la barbarie, por su efecto liberador y su poder balsámico. Una forma de resistencia ante la extrema deshumanización empeñada en convertir cada identidad en un cadáver viviente. Por su parte, Fernando Navarro García, presidente de CITMA, busca el sentido transcendente del lenguaje para abordar la palabra como un reflejo del alma; un muro firme alzado frente a la muerte, capaz de borrar la sensación de desvalimiento y fragilidad. Por tanto, las palabras, los poemas reunidos en estas hojas de la memoria, son antídoto y vida. Fuerza para seguir preservando a todos los ausentes de aquel tiempo lóbrego de “niebla y noche”.
En su intenso análisis “Negra leche del alba, te bebemos al atardecer”, Carlos Morales del Coso advierte de la niebla espesa que genera evocar en toda su magnitud la barbarie del genocidio. La descarnada envergadura sobrecoge y anula cualquier olvido. Aunque con una floración tardía, el impacto de la llamada “Solución final” ha multiplicado aproximaciones en la filmografía, la novela, el teatro, la autobiografía y otros planteamientos estéticos. La voz de la tragedia deja también señas de identidad en el espacio poético. Muchos poetas no pudieron sobrevivir a la catástrofe y consumieron su existencia en la ignominia de los campos de concentración. Otros no fueron capaces de superar los estragos del encierro y sus voces se acallaron para siempre. Y otros han dejado constancia de lo que sucedió y son parada obligatoria para restaurar la historia, exenta de correcciones interesadas y escamosos olvidos.
El despliegue de nombres propios en cada parcela artística es abrumador. Ratifica el persistente quehacer investigador y las muchas jornadas de documentación, análisis y anotaciones complementarias. La antología de poemas permite proseguir la ruta de un eje argumental convertido en cuerpo y sereno escrutinio de enfoques. Para el antólogo, la gran erupción poética culmina en los años noventa, décadas después de que rompieran diques de silencio Nelly Sachs y Paul Celan. Son muchos los trayectos creativos compilados, lo que permite sugerir que, más que una única poesía del Holocausto con características comunes y uniformes, hallamos individualidades que ofrece el interior abierto del exterminio. Sobre estos pasos, el antólogo organiza tres apartados. En el primero integra a los poetas que no pudieron sobrevivir a la Catástrofe, bien porque no supieron interpretar el peligro real que el nazismo expandía sobre los judíos, o porque las contingencias biográficas propiciaron lecturas mínimas de la debacle. En este grupo se citan los nombres de Ilse Weber, Geltrud Kolmar, Miklós Radnóti, Jiri Olsen, David Vogel o Benjamin Fondane. Junto a ellos ha sobrevivido el precoz legado de poetas muy jóvenes, casi niños, que mostraron una sensibilidad adulta y una determinación única para forjar un premonitorio testimonio del drama de los campos de exterminio.
El segundo grupo estaría formado por quienes lograron sobrevivir a la catástrofe. Tras la incredulidad terrible de seguir respirando y el lapidario silencio de la culpa, se fueron abriendo las heridas con espantosa violencia para reelaborar actitudes individuales y colectivas. En este registro nacen las obras de Leopold Henryk Staff, Anna Swirszczyuska, Geo Bogda, Charlotte Delbo, Joaquin Amat-Piniella o Chava Rasenfarb.
La transcendencia del tenebrario nazi tuvo un fuerte impacto multigeneracional, de dimensiones espaciales incontroladas. Los juicios y procesos colectivos, la edición de experiencias autobiográficas y las confrontaciones ideológicas de la guerra fría generaron una incontenible gama de planteamientos poéticos. En ellos se integran creadores de distintos contextos idiomáticos, en los que sobresalen, a modo de síntesis, voces como Tonino Guerra, Salvatore Quasimodo, León Felipe Silvia Plath, Anne Sexton, Félix Grande, Jacqueline Goldberg, Antonella Anedda, Mauro Dobri, Meir Wieseltier, Juan Carlos Mestre, Isla Correyero, Víctor Gómez Valentinos o José Luis Torrego. Mis disculpas por resumir tanto el inventario de colaboradores.
Por tanto, como escribe con iluminada precisión Carlos Morales del Coso, negando para siempre el dictum de Adorno “No sólo no era inmoral perpetuar la creación poética después de Auschwitz. Para los supervivientes, era una necesidad ineludible de supervivencia como seres humanos”. Desde el magma poético de emoción y pensamiento se reconstruye el mapa de desapariciones y se ataja cualquier disolución entre la bruma. La ominosa cicatriz del horror, la locura nazi y el frío tenebroso de su tarea exterminadora tienen en los poemas de In nomine Auschwitz un paradigma de permanencia, un afán interpretativo, pleno de análisis histórico y biográfico que emite luz y dota de significado.
Quedan en la magna tarea de Carlos Morales del Coso la voz y la palabra de una conciencia en pie. El vuelo estremecido de un resonar de gritos en el aire. Poesía que abriga, deshilando el epitelio frágil del lenguaje para ser vértigo encendido, llama en medio de la gran oscuridad.
Y esa es la visión nuclear e integradora de Carlos Morales del Coso al editar In nomine Auschwitz, un amplio estudio con una muestra epilogal de composiciones para que jamás se apague el impactante refrendo poético de la Shoah.
Es sabido que la estructura fragmentaria de las citas niega cualquier ubicación gratuita. Están ahí porque siembran indicios, inician líneas de pensamiento y ofrecen, desde su laconismo, las posibles constantes del contenido. In nomine Auschwitz acoge entradas verbales de Sandro Pertini, Joan Margarit, Carlos de la Rica y San Mateo. con textos anudados en la percepción del dolor existencial y la búsqueda tenaz de equilibrio. El estimulante paratexto precede a una nota de gratitud del autor manchego que ubica en primer plano a Carlos de la Rica, sacerdote, creador, impulsor y surco abierto de la idea. En el lecho de muerte, el 11 de agosto de 1997, sugirió al continuador del empeño editorial El Toro de Barro la realización de esta singladura. El volumen moldea el trabajo de veinticinco años de esfuerzos e incertidumbres. La fuerza de seguir ha superado inconvenientes y cansancios gracias a la entrega de Jaime Vándor, superviviente del abrazo mortal del genocidio, profesor universitario e inagotable flujo de documentación. También a poetas, traductores, ensayistas y críticos, como Pilar Gómez Bedate, Víctor Toledo, Margalit Matiatiahu, Esther Bendahán, Gerardo Lewin, Jonio González o Andrada Tomescu, entre otros.
La entrada de Fernando Navarro, historiador español del Holocausto, desde su perspectiva moral incide en recordar que en la ominosa distopía nazi la belleza es un grito, una posibilidad de utopía frente a la barbarie, por su efecto liberador y su poder balsámico. Una forma de resistencia ante la extrema deshumanización empeñada en convertir cada identidad en un cadáver viviente. Por su parte, Fernando Navarro García, presidente de CITMA, busca el sentido transcendente del lenguaje para abordar la palabra como un reflejo del alma; un muro firme alzado frente a la muerte, capaz de borrar la sensación de desvalimiento y fragilidad. Por tanto, las palabras, los poemas reunidos en estas hojas de la memoria, son antídoto y vida. Fuerza para seguir preservando a todos los ausentes de aquel tiempo lóbrego de “niebla y noche”.
En su intenso análisis “Negra leche del alba, te bebemos al atardecer”, Carlos Morales del Coso advierte de la niebla espesa que genera evocar en toda su magnitud la barbarie del genocidio. La descarnada envergadura sobrecoge y anula cualquier olvido. Aunque con una floración tardía, el impacto de la llamada “Solución final” ha multiplicado aproximaciones en la filmografía, la novela, el teatro, la autobiografía y otros planteamientos estéticos. La voz de la tragedia deja también señas de identidad en el espacio poético. Muchos poetas no pudieron sobrevivir a la catástrofe y consumieron su existencia en la ignominia de los campos de concentración. Otros no fueron capaces de superar los estragos del encierro y sus voces se acallaron para siempre. Y otros han dejado constancia de lo que sucedió y son parada obligatoria para restaurar la historia, exenta de correcciones interesadas y escamosos olvidos.
El despliegue de nombres propios en cada parcela artística es abrumador. Ratifica el persistente quehacer investigador y las muchas jornadas de documentación, análisis y anotaciones complementarias. La antología de poemas permite proseguir la ruta de un eje argumental convertido en cuerpo y sereno escrutinio de enfoques. Para el antólogo, la gran erupción poética culmina en los años noventa, décadas después de que rompieran diques de silencio Nelly Sachs y Paul Celan. Son muchos los trayectos creativos compilados, lo que permite sugerir que, más que una única poesía del Holocausto con características comunes y uniformes, hallamos individualidades que ofrece el interior abierto del exterminio. Sobre estos pasos, el antólogo organiza tres apartados. En el primero integra a los poetas que no pudieron sobrevivir a la Catástrofe, bien porque no supieron interpretar el peligro real que el nazismo expandía sobre los judíos, o porque las contingencias biográficas propiciaron lecturas mínimas de la debacle. En este grupo se citan los nombres de Ilse Weber, Geltrud Kolmar, Miklós Radnóti, Jiri Olsen, David Vogel o Benjamin Fondane. Junto a ellos ha sobrevivido el precoz legado de poetas muy jóvenes, casi niños, que mostraron una sensibilidad adulta y una determinación única para forjar un premonitorio testimonio del drama de los campos de exterminio.
El segundo grupo estaría formado por quienes lograron sobrevivir a la catástrofe. Tras la incredulidad terrible de seguir respirando y el lapidario silencio de la culpa, se fueron abriendo las heridas con espantosa violencia para reelaborar actitudes individuales y colectivas. En este registro nacen las obras de Leopold Henryk Staff, Anna Swirszczyuska, Geo Bogda, Charlotte Delbo, Joaquin Amat-Piniella o Chava Rasenfarb.
La transcendencia del tenebrario nazi tuvo un fuerte impacto multigeneracional, de dimensiones espaciales incontroladas. Los juicios y procesos colectivos, la edición de experiencias autobiográficas y las confrontaciones ideológicas de la guerra fría generaron una incontenible gama de planteamientos poéticos. En ellos se integran creadores de distintos contextos idiomáticos, en los que sobresalen, a modo de síntesis, voces como Tonino Guerra, Salvatore Quasimodo, León Felipe Silvia Plath, Anne Sexton, Félix Grande, Jacqueline Goldberg, Antonella Anedda, Mauro Dobri, Meir Wieseltier, Juan Carlos Mestre, Isla Correyero, Víctor Gómez Valentinos o José Luis Torrego. Mis disculpas por resumir tanto el inventario de colaboradores.
Por tanto, como escribe con iluminada precisión Carlos Morales del Coso, negando para siempre el dictum de Adorno “No sólo no era inmoral perpetuar la creación poética después de Auschwitz. Para los supervivientes, era una necesidad ineludible de supervivencia como seres humanos”. Desde el magma poético de emoción y pensamiento se reconstruye el mapa de desapariciones y se ataja cualquier disolución entre la bruma. La ominosa cicatriz del horror, la locura nazi y el frío tenebroso de su tarea exterminadora tienen en los poemas de In nomine Auschwitz un paradigma de permanencia, un afán interpretativo, pleno de análisis histórico y biográfico que emite luz y dota de significado.
Quedan en la magna tarea de Carlos Morales del Coso la voz y la palabra de una conciencia en pie. El vuelo estremecido de un resonar de gritos en el aire. Poesía que abriga, deshilando el epitelio frágil del lenguaje para ser vértigo encendido, llama en medio de la gran oscuridad.
JOSÉ LUIS MORANTE
viernes, 4 de febrero de 2022
VIVIR EN RIVAS
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| Invierno en la laguna del Campillo (Rivas Vaciamadrid, Madrid) |
DESDE RIVAS
Aquí pierdo la voz, contemplo Rivas,
un nombre propio escrito en el asfalto,
un árbol que resguarda la memoria,
pulcra ciudad de espacios habitables,
igual y diferente a cualquier sitio.
Cada jornada intento sin demora
la gesta cotidiana de aventar
el cansancio de los días comunes,
una luna de plata abre la noche,
dibuja su contorno en el regazo
del cielo envejecido de Madrid.
Crece la sed aquí, varado en Rivas;
busco en vano la esencia de las cosas,
acumulo renuncias e inquietudes
y despide mi mano el tren vacío
de la vida que parte, no sé dónde.
(De Largo recorrido)
un nombre propio escrito en el asfalto,
un árbol que resguarda la memoria,
pulcra ciudad de espacios habitables,
igual y diferente a cualquier sitio.
Cada jornada intento sin demora
la gesta cotidiana de aventar
el cansancio de los días comunes,
una luna de plata abre la noche,
dibuja su contorno en el regazo
del cielo envejecido de Madrid.
Crece la sed aquí, varado en Rivas;
busco en vano la esencia de las cosas,
acumulo renuncias e inquietudes
y despide mi mano el tren vacío
de la vida que parte, no sé dónde.
jueves, 3 de febrero de 2022
ANDRÉS GARCÍA CERDÁN. EL ÁRBOL DEL LENGUAJE
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| El árbol del lenguaje Sobre la poesía de Julio Cortázar Andrés García Cerdán Editorial Visor Biblioteca Filológica Hispana Madrid, 2021 |
AGUJAS DE MAREAR
El ensayista traza la línea argumental del volumen yuxtaponiendo reflexiones teóricas, con un pórtico poético. En la de amanecida “las oportunidades de la distracción” advierte que la sensibilidad poética es un inabarcable espacio de contradicciones que hace posible un despliegue del lenguaje introspectivo y expandido hacia las cosas. desde itinerarios proteicos, intuitivos, rupturistas con la racionalidad de una estética cerrada. Así sucede, según el ensayista, en el fluir poético de Julio Cortázar, siempre proclive al juego literario y la inmersión exploratoria en las posibilidades del lenguaje y en las coordenadas menos transitadas de la realidad.
El árbol del lenguaje permite escalas subterráneas y aéreas. Construye un ámbito rizomático, disgregado. Desde esa perspectiva, Cortázar, según el estudioso, “atiende a las explosiones de una palabra febril, vertiginosa, matinal, palabra que no se consuma, como sucede en el uso instrumental del lenguaje, sino que permanece perpetuamente abierta hacia el interior de sí”. Por tanto, es esencial en el lenguaje el papel de apertura. Velar por la exclusión de un sistema canónico y fosilizado que erosione su dinamismo subversivo y el rol generador de otras dimensiones de lo real. Esto permite una obra poética permeable, en continua mutación que, sometida a una fuerte pulsión dialéctica, recorre una larga distancia formal entre la amanecida de Presencia hasta los frutos últimos de Salvo el crepúsculo.
García Cerdán emplea una etiqueta crítica de Octavio Paz, la tradición de la ruptura, para integrar en ella la expresión creativa de Cortázar; su poesía repudia cualquier sumisión a cauces académicos, ideológicos o sociales para establecer un orden solar, una poética cuestionadora. Su obra está marcada por la intuición libre y por relaciones simbólicas con los estratos asimétricos de la realidad. No sería, por tanto, la creación artística un producto estético sino una inmersión en lo irracional, una búsqueda de estratos significativos, más allá de lo aparente y una red de planos de la realidad visualizada mediante el pensamiento analógico.
La sección “Baudelaire-Mallarmé-Rimbaud” remonta la ascendencia del inconformismo poético de Cortázar. El escritor mantiene una fuerte evolución, impulsado por su insatisfacción progresiva y su abierta fe en las posibilidades del lenguaje. Así lo manifiesta en su escritura: ”La poesía es una aventura hacia el infinito; pero sale del hombre y a él debe volver”. Su poética también se vincula a la llamada poética del delirio y al credo surrealista, como se subraya en el hermoso texto de “Teoría del túnel”.
Toda creación sugiere una perspectiva que trasciende lo estético y define una posición, un humanismo crítico, una toma de conciencia. El ensayista recuerda que para Cortázar “la poesía es un camino de conocimiento y compromiso”, una respuesta ante la existencia y el devenir histórico que está en continua revisión.
El ojo crítico de Andrés García Cerdán propone en El árbol del lenguaje una caracterización de la trayectoria poética de Cortázar como obra abierta, despojada de juegos retóricos y del intimismo reflexivo de la oratoria autobiográfica. Es una creación emancipada, hecha desde la voluntad de cambio y transformación. En ella se cobija la excepción como acceso a una realidad oculta, solo asequible bajo la piel porosa del lenguaje.
miércoles, 2 de febrero de 2022
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