HAIKU DE REGRESO
Eros
Huele a rocío,
bajo la felpa blanca
del albornoz.
sábado, 31 de enero de 2015
viernes, 30 de enero de 2015
ALEJANDRO FERNÁNDEZ-OSORIO. MAGAYA
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| Magaya Alejandro Fernández-Osorio Impronta, Oviedo, 2014 |
OLOR A MANZANAS
Un apunte de partida clarifica el sustantivo del título: “magaya es la
masa de la manzana después de ser triturada, antes de exprimirla”. Esta
oportuna aclaración recuerda también la semántica simbólica del nombre: “magaya
es lo que vale y no vale. La posibilidad y el residuo”.
Desde su apertura, el poemario se define como un cuaderno sentimental,
construido con fragmentos. No son meros esquejes descriptivos sino alusiones
meditativas que entremezclan experiencias vivenciales y reflexiones,
con un lenguaje natural y comunicativo, rico en asociaciones para construir una
nueva realidad.
Asistimos en los textos a un ejercicio introspectivo, de recuperación de
una tarea en la que habita el pasado. Son secuencias que dejan en el ahora la
inmersión en otro tiempo que tiene algo de telurismo ancestral porque en él se
define una conciencia colectiva, un rostro con facciones reconocibles, que conforta y crea una sensación de pertenencia.
Frente a la habitual tendencia de utizar el callejero urbano como marco
poemático, en la lírica de Alejandro Fernández-Osorio el territorio que habita
la memoria es rural, un entorno que hace posible el contacto directo con la
naturaleza, aunque en una sociedad global y tecnológica, prodiga síntomas de
soledad y abandono. Aclaro que los poemas de Magaya nada tienen que ver con la
poesía bucólica dictada por el escapisto de los que encuentran en el campo un
paraíso perdido y hacen de la ciudad un decorado decadente.
Magaya es un poemario de corte
autobiográfico de quien se detiene en el tiempo para mirarse en los otros, para
explorar la textura de esas raíces de hondo rumor humano que tiemblan
invisibles, que ayudan a conocerse desde dentro y que sujetan firmes la
existencia.
miércoles, 28 de enero de 2015
A MEDIA VOZ...
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| Casa de Cristal (Madrid, 2015). Fotografía de Javier Cabañero |
A MEDIA VOZ
Casi toda mi poemas se compilan en
Mapa de ruta, una antología editada
por Maillot Amarillo, en 2010, con prólogo del poeta y crítico Josep María
Rodríguez. En su cartografía se definen motivos recurrentes: la
construcción del yo verbal -un personaje dubitativo-, el paso del tiempo, los
claroscuros de lo cotidiano y esa pupila social que guarda sitio, desde la ética, a disonancias y afinidades.
Creo que los géneros literarios
son habitaciones que se comunican. Los rasgos identitarios de mis poemas
tienen un aire de familia con mis relatos breves y con los aforismos de Mejores días y Motivos personales. Todos son textos con vocación dividida entre el
pensamiento lírico y la reflexión social.
Sé cuál es la naturaleza esencial de la escritura: hablarnos con luz peculiar de un personaje y sus alrededores. Intimismo biográfico, dicho a media voz.
martes, 27 de enero de 2015
HAIKU PARA POETA EN NUEVA YORK
POETA EN NUEVA YORK
Para Hilario Barrero,
poeta en Manhattan
Acaban turno
los taxis muy temprano.
A pie, la nieve.
lunes, 26 de enero de 2015
MIGUEL FLORIANO. SIGNOS PROPIOS
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| Tratado de identidad |
SIGNOS PROPIOS
Tratado de identidad
Miguel Floriano
Ediciones Oblicuas
Barcelona, 2014
Toda poética es el trazado de una realidad cambiante, una evolución que
acoge las vivencias de lo cotidiano y el legado lector. En los signos vitales el
tiempo sedimenta su acontecer. Y es el aporte cultural el que reconduce al
barrio antiguo de la tradición, Así adquiere refrendo una sensibilidad autónoma, tendente a insistir en un núcleo de obsesiones al definir la
identidad del “yo que nos suplanta entre renglones”. El personaje verbal es
visto a distancia, como si formara parte de una exposición objetiva.
Miguel Floriano (Oviedo, 1992) estudia Filología Hispánica. La precoz
vocación literaria se confirma en los libros Cuentos para adornar los sueños, volumen de relatos, Diablos y virtudes, compilación de
poemas. Ya en el cierre de 2014 edita su tercera entrega Tratado de identidad, que comienza con
unas palabras introductorias de quien escribe esta reseña. Más que por un
análisis crítico pormenorizado del poemario, el liminar cuenta las impresiones
personales de un lector cercano y el contexto afectivo.
Desde el comienzo de Tratado de
identidad queda claro que Miguel Floriano es un disidente del etiquetado
figurativo, tantas veces lastrado por la epigonía y lo mimético. El ovetense
busca espejos donde reflejarse, prefiere la ruta poco hollada. En su travesía, precisa el carácter del discurso lírico a partir de una cita de Miguel d’Ors
que tiene como cierre estos versos: “Y eso que todos hacen a espaldas de sí
mismos, / eso precisamente, es la Poesía”. Tras una larga práctica acumulando
virutas en el taller literario, el poeta y profesor saca esta conclusión:
la poesía es ese inefable no sé qué que queda balbuciendo; los versos son hijos
del azar y se burlan del voluntarioso trajinar sobre el papel. Dejo al lector
que medite sobre la sugerente puerta que abre esta declaración de principios del poeta
antologado en Las voces y los ecos, aquella
propuesta de José Luis García Martín que mostraba el envés de la trama novísima
con otras convicciones estéticas.
Miguel
Floriano en “Introito” busca la razón del poema en el misterio, en ese azar que
lleva a lo impreciso; propone incógnitas al pensar para que se llene con su
niebla comprensiva. Comienza así un fértil viaje por el acontecer y su latido, en
el que las palabras recolectan explicaciones y hacen del amor el sustrato
primigenio del presente: “Pero es verdad, lo juro: únicamente quise / después
de enamorarme propagarlo / como único / método de amor, para así vivir acorde
/ a los latidos que me nombran…”. El verso parece aproximarse a la realidad
biográfica y hace del sentimiento amoroso una vivencia central, incluso en la
pérdida y el fracaso.
Al disponer el avance argumental de Tratado
de identidad, el poeta conoce los riesgos del verso previsible y el esquema
estrófico manoseado. Pero no existe otra alternativa; Miguel Floriano no teme recurrir
a las posibilidades expresivas del soneto, deja en las páginas algunos haikus y
mira complacido a modelos literarios de cabecera como Víctor Botas –magisterio
central junto a Miguel d’Ors- para conformar su escritura; así ocurre en el
poema “Conato de redención”. También emplea el rigor del aforismo, ese estar
disponible para despejar incógnitas con lúcida economía. En “Elogio
de la pereza” leemos: “Portamos la herida y ya se sabe / el resto del poema.
En la sección de arranque perdura el rastro de una voz confesional que
soporta a diario el trémulo desorden de una realidad hecha de sugerencias. El entorno
dilata los límites del desconcierto porque está lleno de pasadizos inesperados.
El segundo apartado es una sonora incursión en lo musical. Todos los títulos y
citas aluden a referentes culturales. En este tramo cobra entidad el verbo reflexivo, aunque los apuntes sobre lo existencial no
sean ajenos a la mirada escéptica y a ciertas dosis de ironía. El poeta
subtitula este conjunto de poemas “Paréntesis armónico”, como si tras el
derrumbe amaneciera una cierta catarsis emocional. El confidente lírico se
aplica a un ejercicio de sosiego y claridad; halla amparo efectivo en las
propias convicciones. Escribe en “Obertura platónica”: “Ni realidad convicta ni
estupor / que luego trae palabras. Ni consigna / amparada por el tiempo, ni
paraje / donde citarse con la eternidad. / Ni siquiera este ahora y su partir.”
El planteamiento sobre la identidad del sujeto se fortalece en el apartado final. “Libro tercero” vuelca sus pasos en la vía
interior y en la sensación de nomadismo hacia ninguna parte de quien carece de asideros sentimentales. Tampoco falta la preocupación
metapoética, en la media distancia entre el arte y la existencia; el poema es
el empeño de convertir el espacio subjetivo en escritura.
El andar temprano de un poeta
suele estar repleto de tanteos, protagoniza incursiones aleatorias hasta que el
transcurso aparece, recto y continuo. Miguel Floriano, en Tratado
de identidad ya está con paso firme frente al despejado
paisaje del futuro, habita ese momento en el que la escritura pulsa una cuerda
invisible y sale música.
sábado, 24 de enero de 2015
ÁNGEL PETISME. TREINTA AÑOS DE MÚSICA Y POESÍA
TESTIGO CON LÁPIZ: ÁNGEL PETISME
EN EL ATENEO
Ayer viernes, estuve en el Ateneo de Madrid, en el papel el papel de testigo con lápiz
que ocupa un asiento difuso de las última filas. Desde allí, sin el micro encendido y el estrado con agua, los actos literarios parecen más largos e
imprevisibles, con un punto de tedio por la impuntualidad y la inquietud del calor tropical que tanto solivianta en aforos completos. Ángel Petisme, con treinta años de dedicación
musical y literaria, presentaba, con nutrido acompañamiento, su poemario El lujo de la tristeza. El aragonés concita muchos afectos y la sala se llenó
de inmediato. Los asistentes que no encontraron asiento reclamaban el traslado al salón de
actos y un poco de luz para ver a los contertulios. Miguel Losada, responsable del ciclo de lecturas de la Cacharrería, puso
excusas y orden y la presentación se inició con un cantautor feliz y con sonrisa grande. Estaba
ufano con la respuesta del público, con el abrazo solidario de otros escritores y músicos, y con el verbo cálido de una mesa repleta. Mucha gente para hablar y más o menos prisa por plasmar en dos
o tres pinceladas ingeniosas la relación personal y ese jugoso anecdotario
de la memoria fiel. Tantos años en el camino han dejado una copiosa estela.
En un acto tan emotivo, aumentó la temperatura sentimental del público el vídeo Mi gigante preferido, un trabajo muy bien resuelto dedicado a Alba, hija
del poeta. Después tomaron la palabra Luis Eduardo Aute, Luis Antonio de
Villena y Ángel Guinda. Aute, tímido, modesto y siempre al alba, recalcó
afinidades con aquel joven cantautor seleccionado en la antología Postnovísimos que representaba la sensibilidad del rock y ensalzó la estatura de niño gigante; Ángel
Guinda dejó una buena definición sobre el carácter del homenajeado: es un
aglutinador de personas, comentó. Y Luis Antonio, con aire teatral, paró el reloj para
viajar hasta los pasos de un Petisme juvenil que se ha ido haciendo autónomo y mayor entre
libros y canciones. Luis Antonio es un conversador incansable y divertido.
Llenaron los intermedios Ana Labordeta y Pilar Bastardes con una representativa selección de textos, para clausurar con otra mesa
formada, entre otros, por Fernando Beltrán y Raquel Lanseros. Fernando resumió el asunto en
una troika aragonesa: “Goya, Buñuel, Petisme” (con permiso de otras troikas del
valle del Ebro de igual altura), mientras que la belleza de Raquel Lanseros
recurrió a la sensibilidad del hombre y a esa invitación a la alegría que aporta Ángel como razón de ser de cada encuentro. También
hubo música en directo, móviles a pleno uso, foto de grupo, agenda abierta para citas cordiales y merecidas felicitaciones al autor de El lujo de la tristeza. Me traje además ese abrazo de Ángel
Petisme al dedicarme su obra, mientras hablábamos de una lectura próxima en Rivas, programada en Covibar por Ricardo Virtanen.
Después era muy tarde y hacía frío. Me refugié detrás de la bufanda y recorrí la luna de Madrid con
Fernando Beltrán y la nostalgia común de amigos y viajes. En la autopista del regreso ví en el retrovisor la imagen de un
acto para recordar. Ya en casa, abracé a Adela y puse en la mesa de trabajo de la buhardilla El lujo de la tristeza. Espera turno de lectura con
mirada cómplice. He disfrutado estos años con la poesía de Petisme y el poema "Ponle luz a este mundo" con el que cerró la cita del Ateneo me pareció extraordinario.
En el azul de la cubierta, miro el título. Lo leo en voz alta y asiento. Es verdad, la tristeza todavía es un lujo al alcance de todos.
AUTOBIOGRAFÍA CON SOL
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| En Ávila, enero de 2015 |
También soy yo
por la fidelidad a mis contradicciones,
por permitir gozoso,
cuando las plazoletas solitarias
reivindican el silencio y la sombra,
que un recuerdo me asalte en el espejo
como un rastro de luz, leve, intangible,
e inicie una liturgia
con frecuencia de rito
de nombres, fechas, gestos
y túmulos de sueños
nadando alborozados en el mar
de una cronología sospechosa.
Tanta dulce mentira esconde a otro.
Poesía (1990-1998)
Encuentro, Rivas-Vaciamadrid
jueves, 22 de enero de 2015
MERIENDA
 |
| Atardecer en Rivas (Madrid) |
MERIENDA
Para Oliver,
que buscaba haikus y frutas
Bebe la tarde
zumo de naranja,
y mancha el cielo.
miércoles, 21 de enero de 2015
LITORAL. MUSEUM (LA PINTURA ESCRITA)
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| Litoral. MUSEUM. La pintura escrita |
Litoral, nº 258 (Museum, La pintura escrita)
Revista de arte, poesía y pensamiento
Málaga, 2014
Dirección:
Lorenzo Saval
Asesores Literarios:
José Antonio Mesa Toré, Antonio Lafarque
El catálogo de la revista Litoral ha convertido en rutina la amistad cordial de la poesía con elementos de la realidad o con disciplinas artísticas y científicas. Así se han ido sucediendo monográficos de la publicación que emparentan la poesía con la ciencia, el árbol, los viajes, la música o los espacios geográficos...
Ve la luz en la amanecida de 2015 la edición de Museum, subtitulado La pintura escrita. El volumen explora -y hago mía la expresión de Lorenzo Saval - “la complicidad entre poesía y pintura”, una relación convivencial de envidiable solidez. Las diferentes secciones enlazan narratividad, lírismo y textura visual en un recorrido que visita todas las épocas artísticas, desde las pinturas rupestres del Paleotíco hasta las creaciones del arte contemporáneo. Resulta así un didáctico museo que fusiona emoción y belleza, que ilumina la exposición dual de imágenes y textos, ya sean estos breves ensayos indagatorios sobre el arte o poemas que se ajustan a los cuadros que se han ido sucediendo en una incansable cronología creadora. Una vez más, los lectores de Litoral se encuentran con la propuesta feliz de una revista que muestra su excelente friso de colaboraciones. Lorenzo Saval y María José Amado, junto a un equipo de colaboradores formado por Antonio Lafarque, Miguel Gómez Peña, Rafael Godoy, Pilar Salado, Victoria Valmaseda y Carmen Saval Prados, nos acercan un patrimonio escritural que amalgama clásicos y contemporáneos para dar voz perdurable al sosegado estar de la pintura. Un número para exponer, con sitio preferente, en todas las bibiotecas.
lunes, 19 de enero de 2015
CLARISSE NICOÏDSKI. VOCES DE SEFARAD
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| El color del tiempo. Poemas completos |
VOCES DE SEFARAD
El color del tiempo
Clarisse Nicoïdski
Traducción de Ernesto Kavi
Editorial Sexto Piso, Madrid, 2014
Durante el Medievo, el paso de las comunidades judías establecidas en la península ibérica dejó su impronta. Aportaciones artísticas e históricas definieron un variado patrimonio cultural. Fueron siglos de convivencia quebrados con el forzoso exilio, tras la unificación religiosa impulsada por el centralismo de los Reyes Católicos. La expulsión disgregó círculos congregados en Toledo, Zaragoza, Valencia, Córdoba y Granada. Los judíos abandonan Sefarad para instalarsen en el norte de África y el este de Europa. Declinaba una etapa histórica. Solo en el idioma pervivió la conciencia de pertenecer a un pueblo cuyo esplendor efímero vivió etapas de fecundo intercambio con las otras confesiones religiosas y paréntesis de conflicto que alentaron destrucciones de aljamas y persecuciones indiscriminadas.
La obra El Color del tiempo compila la voz en sefardí de Clarisse Nicoïdski (Lyon, 1938, París, 1996), traducida al castellano por Ernesto Kavi. Los poemas reconstruyen la íntima expresión de un pueblo en los rincones de la historia, y dan asiento textual a un sistema lingüístico con mínimas manifestaciones escritas. La reconocida escritora francesa practicó la autobiografía, hizo crítica de arte y firmó algunas novelas. Su obra lírica se ha traducido a varios idiomas, figura en antologías y ejerció un claro magisterio en poetas hispanoamericanos como Juan Gelman.
La muerte de su madre provocó en Clarisse Nicoïdski una encendida toma de conciencia. Con el fallecimiento se quebraba el hilo de la infancia y todo el cauce infantil de los recuerdos. Fue el detonante para que amaneciesen palabras que ya nadie pronunciaría más. Este libro se constituye como testigo único y principal del sefardí, tras una diáspora repleta de vestigios orales que fomentaron la idealización de Sefarad y una ciencia conciencia mítica. Estos poemas completos están formado por dos títulos, Los ojos las manos la boca, fechado en 1978, y Caminos de palabras, editado en 1980. Ambos conjuntos mantienen señas compartidas, preferencias por el tono coloquial y el empeño narrativo, la reiteración de construcciones que parecen recordar canciones infantiles en su desarrollo y el cobijo de un amplio clima emotivo, como si las palabras tuviesen una semántica hospitalaria con los sentimientos.
El primer libro se cierra con una elegía a Federico García Lorca, identidad perdida en los albores de la guerra civil. Es un canto hecho desde el dolor y la gratitud por las palabras que encendieron la lumbre de la poesía y que compartieron el ser hospitalario del poema. En la voz de Clarisse Nicoïdski, el pasado es un espacio luminoso; su visión genera de inmediato un canto elegíaco. Los versos pulsan el ayer y hacen de su epidermis una invitación al regreso, un itinerario onírico que no desaparece en la amanecida. Los breves cantos de Caminos de palabras se pronuncian desde la celebración y tienen un sustrato emotivo y evocador.
Escribe Ernesto Kavi, responsable de la versión al castellano, “la poesía es una forma de restaurar el tiempo”. Este libro alza una arquitectura idiomática que tras su poda del árbol histórico del castellano siguió una evolución con latidos y esquemas de armonía confiados a la memoria; por tanto, se gesta así otro español, un idioma que dibuja el color del tiempo. Clarisse Nicoïdski, en el breve liminar, anota su razón escritural, a partir del periplo biográfico familiar; su poesía es el preciado testimonio de una lengua secreta.
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